Arte Del Pop

TPC

2010-07-23T04:53:00.004+01:00

O meu primeiro post é dedicado a um dos maiores terrores da minha infância, os TPC.

A diferença está no facto de que trabalhos são agora uma qualquer capital japonesa, a conjugação “para” vem com sirene e arma, e a minha casa transformou-se numa discoteca - ou qualquer outra coisa para os que escolhem fantasiar.

Ok, antes eles eram mais riffs e essas coisas com barulho, e eu gosto de barulho. Mas também gosto disto que eles fazem agora. Assim num rock melodramático, com um pop a mistura, num som aberto, fácil e catchy. Não sei, mas eu gosto. E são canadianos, são boa gente, não gostam de americanos.

O nome do álbum deixa em aberto alguma arrogância, mas quem nunca se olhou ao espelho repleto de confiança e disse “Champ” a pulmões abertos? Ok, foi só uma vez na faculdade, mas soube bem.

Deixem-se levar pelo single, Wait Up, aqui em versão LIVE e acústica:

http://www.youtube.com/watch?v=tL5zqWTGy8g&feature=related

Novo membro

2010-07-22T10:40:00.001+01:00

Apresento-me como o mais novo membro do famoso mas um pouco esquecido Arte del Pop. Venho renovar a equipa composta pelos meus amigos e mentores musicais RBF & mago, com as habituais críticas ao mundo musical.

Desde já aviso que a minha abordagem é algo diferente dos mesmos, sendo que aposto mais na filosofia / experiência vs. qualidade / conhecimento, seja lá o que isso for. Acho que com o tempo todos vão perceber, eu incluvé.

Bem, sem mais assunto, passemos a acção. From now on, Diga está aqui para tudo o que der e vier. Directamente do oriente, baseado em Hong Kong, the sin city, trar vos ei as novidades do meu mundo musical.

Saludos

C'um catano

2009-11-27T10:26:00.011Z

Ponto prévio: Post-nothing é um título que faz justiça ao som dos Japandroids pelo difícil que é descrever o mesmo, enquanto simultaneamente representa como que uma afirmação do desinteresse sobre que definições lhe são aplicadas: algo como "Fiquem lá com o vosso garage-rock-noise-pop-pós-punk. Nós fazemos som, o som que está neste álbum e que é pós-coisa-nenhuma. É, simplesmente, música.".

Das melhores coisas que ouvi nos últimos tempos. Custa a acreditar que são só dois rapazes que fazem este barulho todo. Uma guitarra, uma bateria e as vozes de ambos e está feito, com tanto de barulho como de sentido melódico. Genial.

Destaques inevitáveis de entre as 8 músicas que compõem o álbum: Sovereignity (faz da ideia "lamechas" de fugir com alguém e casar às escondidas - mais alguém reparou que os ingleses têm uma única palavra que descreve isto tudo com muito maior precisão? eloping - algo épico), Wet Hair ("Must get to France / So we can french kiss some french girls"), I Quit Girls ("After her / I quit girls", ou como dizer tudo em cinco palavras) e o verdadeiro hino que vos deixo no final do post para ouvirem e/ou sacarem a vosso bel-prazer, Young Hearts Spark Fire ("We used to dream / Now we worry about dying"). A propósito, obrigado por tão útil ferramenta.

Quero ter 19 anos outra vez.

Cenas que valem a pena citar (II)

2009-10-13T18:10:00.002+01:00

E também para colmatar uma falha (gigante) do blog (intermitente) por ainda não ter falado de Los Campesinos!, agora que só vem aí a caminho o terceiro álbum...

"And what right do you have to have nightmares about me / When all I wanted was to sleep?"

Como se já não bastasse o melhor título de sempre para uma música (This Is How You Spell "HAHAHA, We Destroyed the Hopes and Dreams of a Generation of Faux-Romantics"), ainda espetam lá isto logo no primeiro verso. Como diria o outro, touché.

Cenas que valem a pena citar (I)

2009-03-05T09:59:00.009Z

"Se não fosse esse ar fatal / que faz de mim um animal / isto acabava mesmo aqui!"

Feromona, Animal, do álbum "Uma Vida a Direito"

Um excelente álbum de uma banda que merecia mais tempo de antena e uma aposta mais continuada - ainda vão a tempo de os descobrir. Para além disso, está disponível para sacanço (como os próprios dizem) no site da banda, aqui. E como se isso não fosse suficiente, o vocalista é do Benfica. Need I say more?

Porque é que a Pitchfork (quase) perdeu o meu respeito

2009-03-04T17:47:00.004Z

Aqui. A partir de agora "5.9" entrou no meu vocabulário insultuoso - sim, até porque é sempre possível arranjar maneiras de expandir dito vocabulário.

Ao menos o humor mantém-se: "Are we human or are we dancer?" That is the question. Well, that is a question.

Brigther Than Creation's Dark

2009-03-03T14:34:00.002Z

Sim, só agora, com mais de um ano de atraso. Mas caraças, nunca citar um ditado popular fez tanto sentido: mais vale tarde que nunca.

Abigail Washburn - A kazahk melody

2008-08-29T17:56:00.000+01:00

Um dos exemplos mais felizes de Abigail Washburn. China e Estados Unidos juntos no mesmo continente.

My Morning Jacket - Smokin from shootin

2008-08-28T21:50:00.005+01:00

O último My Morning Jacket ficou um pouco aquém daquilo que se esperava, pelo menos atendendo àquilo que foi feito antes, como os grandes discos "It still moves" e "Z". Ainda assim, "Evil urges" tem peças interessantes, como a que segue em baixo.

Abigail Washburn - Abigail Washburn & the Sparrow Quartet

2008-08-28T10:26:00.004+01:00

Foi patrocinada pelo governo norte-americano para fazer um tour no Tibete. Pôs o banjo entre o bluegrass americano e a música oriental, de raiz Chinesa, graças a uma viagem que a fez apaixonar pelo oriente. Está como peixe na água em palco e a sua veia compositora está bem acima da média. Abigail Washburn está aí com novo disco, o segundo, e recomenda-se.

Bon Iver - re: stacks

2008-08-26T10:43:00.004+01:00

A melhor música daquele que é, para mim, até ver, o melhor disco do ano: "For Emma, forever ago", do norte-americano Bon Iver.

"Everything that happens is from now on"

Cinematic Orchestra - To build a home

2008-08-24T14:10:00.004+01:00

Já tem um tempo, é certo, mas esta foi das últimas vezes em que tive de me sentar perante tal canção, mais não fosse por respeito. Versão ao vivo de música reitrada do disco "Ma fleur" - essencial.

Al Green - No one like you

2008-08-24T14:04:00.002+01:00

Al Green em forma. É favor confirmar em baixo, em canção soul cantada com a classe de sempre, como foi feito no mais recente disco "Lay it down".

"There's no one in life quite like you"

Jakob Dylan - Something good this way comes

2008-08-24T13:52:00.003+01:00

Quem finalmente deu de si foi Jakob Dylan, filho de não-preciso-de-dizer-o-nome, que lançou recentemente um excitante disco folk, "Seeing things".
Depois de uns Wallflowers que nunca passaram do mediocrezito, afinal o homem até tem jeito - se calhar devia era ter começado logo a solo.

The Hold Steady - Magazines

2008-08-22T20:23:00.006+01:00

São uma das bandas norte-americanas mais criativas dos últimos anos, responsáveis por aquele que foi um dos melhores discos de 2006 ("Boys and girls in America"). Os Hold Steady voltaram a estúdio e de lá sairam com outro grande álbum no bolso, "Stay positive".
Em baixo ouvimos "Magazines", um belo exemplar.

"Magazines and daddy issues
I know you're pretty pissed
I hope you still let me kiss you"

Trivia Capas - 5ª jornada

2008-06-06T00:06:00.004+01:00

Ranking:

John The Revelator - 2 pontos

O Puto - 2 pontos

Rita - 1 ponto

Ranking actualizado após a atribuição do ponto extra relativo à capa anterior...

Como a próxima semana é semana de Euro, e aqui os donos do tasco vão estar ambos na Suiça a vibrar com os golos de Portugal, fica já aqui a capa para a 5ª ronda do Trivia Capas, mas que apenas vai poder ser "validada" depois da fase de grupos:

Trivia Capas - 4ª jornada

2008-06-02T23:05:00.005+01:00

Ranking:
John The Revelator - 2 pontos
Rita - 1 ponto

E eis que o John The Revelator assume a liderança do Trivia Capas...

Bom, e para manter a promessa, esta próxima capa para além do ponto normal para quem conseguir indicar a banda e o nome do álbum/single, vai dar direito a ponto extra a quem conseguir apontar a grande particulariedade que ela gerou. Esclarecidos? Ainda bem.

E o melhor de tudo é que para esta nem precisei de usar o Photoshop:

Trivia Capas - 3ª jornada

2008-05-28T00:56:00.004+01:00

Ranking:
Rita - 1 ponto
John The Revelator - 1 ponto

Portanto, depois do John The Revelator ter adivinhado a capa do álbum dos... Depeche Mode, temos uma igualdade no primeiro lugar do ranking deste Trivia. E no último lugar também... Bom, vamos ficar-nos por aqui.

E dar-vos a capa para a 3ª ronda:

PS - para fazer referência a um post do Plano Alternativo , blog entretanto adicionado ali na coluna ao lado e da responsabilidade de não outro que o mesmo John The Revelator vencedor da 2º jornada, e que tem muito a ver com a temática deste Trivia: a exposição no Museu Serralves de cerca de 800 capas do tempo do vinil. Eu, mesmo a bastantes kms de distância, conto dar lá um salto.

Trivia Capas - 2ª jornada

2008-05-22T01:40:00.005+01:00

Ranking:
Rita - 1 ponto

Ranking curto este, até agora...

Esqueci-me de referir uma "regra" - que, curiosamente, não obriga a nada: todas as capas que aparecerem no Trivia fazem parte da minha colecção pessoal. Ajuda ou não ajuda? Pois...

Enfim, sem mais demoras, aqui fica a segunda capa deste Trivia (também assim para o fácil, à terceira já vou começar a dificultar mais a coisa):

Trivia Capas

2008-05-20T00:38:00.006+01:00

Bom, "and now for something completely different" (ainda que inspirado - para não dizer roubado - ao defunto e excelente Movie Quiz): um concurso aqui no Arte Del Pop. Para quebrar aquele jejum de posts da minha parte, para ver se na verdade ainda alguém gosta de comentar este blog, enfim, para satisfazer o meu fétiche particular por capas. É só escolher.

Regras do jogo:

1) Cada capa apresenta-se tal e qual foi editada, com excepção do artista e nome da obra representada que aparecerão desfocados;

2) As capas podem ser de um álbum, de um EP ou de um single, podendo este este ser maxi- ou cd-;

3) Quem quiser participar é só escrever nos comentários ao post qual o artista e qual o nome do disco que aparece;

4) Será mantido um "score" dos comentadores que forem acertando nas capas, sendo que como este trivia há-de chegar ao fim quando bem me aprouver, não se sabe bem que utilidade poderá ter.

Simples, não é? Então aqui fica a primeira capa, uma assim mais para o fácil que é para servir de chamariz (acho eu...):

PS - obviamente que qualquer dos responsáveis por este blog está fora da competição...

The Raconteurs - Consolers of the lonely

2008-05-08T17:43:00.004+01:00

O poço criativo que é a cabeça de Jack White raramente nos falha (sim, eu sei que Brendan Benson também aqui anda – e canta – mas não posso deixar de individualizar o génio do líder dos White Stripes). Novo exemplo: o último Raconteurs é mais um exercício de blues-rock, entre o estúdio e a garagem. E talvez seja de mim, mas Jack White está cada vez mais à vontade com o seu novo grupo de amigos. Meg White está guardada para os devaneios – quando se trata de formalizar o rock, é por aqui que Jack anda.

American Music Club - The golden age

2008-05-07T14:39:00.003+01:00

Os American Music Club não escrevem apenas boas canções alt-country, eles têm também, e sobretudo, a voz de Mark Eitzel, que acalma uma tempestade. Pegando no título de uma das canções de “The golden age”, o que sai da boca de Eitzel é beleza adormecida, e um sussurro deste homem vale mais que qualquer grito. Este monumento, que tem a américa na música e a anti-américa na letra, ficou a pouco, muito pouco, da pontuação máxima.

Counting Crows - Satuday nights and Sunday mornings

2008-04-08T21:22:00.004+01:00

Os Counting Crows são uma boa banda e é de grande injustiça terem ficado conhecidos, para uma geração inteira, como os gajos do “Mr. Jones” – aquela música que a MTV e as rádios não se cansaram de passar, mesmo que o disco “August and everything after” tivesse muito mais canções para oferecer. Desde aí, e esquecendo um mediano “Recovering the satellites”, mostraram-se à altura do disco de estreia, quer com “Desert life” quer com “Hard candy”. Durou até aqui – infelizmente, “Satuday nights and Sunday mornings” é o disco mais fraco do colectivo de São Francisco, com faixas que se prolongam só porque sim, de baladas imóveis e parco em ideias. Vou fazer de conta que não existiu.

R.E.M. - Accelerate

2008-04-08T20:40:00.003+01:00

Nos últimos tempos apenas “Up”, de 1998, entusiasmou verdadeiramente e foram precisos dez anos para voltarem com um disco digno do seu passado. Voltando à carga rock, indie pois claro, e de guitarra aventurosa, “Accelerate” rejuvenesceu Michael Stipe e companhia, e alarga-lhes o prazo de validade por mais uns quantos anos. Grande regresso, não só às origens como também aos grandes discos, isto se as duas coisas não significarem uma só.

Jonny Greenwood - There will be blood

2008-04-03T11:33:00.003+01:00

Jonny Greenwood, guitarrista dos Radiohead e responsável por alguns dos melhores pedaços rock da história do género, aceitou o desafio de gravar a banda sonora do brilhante filme de P.T. Anderson, “There will be blood”. Mudou na forma (pôs a guitarra de lado e pegou num violino) mas não no conteúdo (a inquietação nervosa mantém-se) e criou um disco ácido, tenso e premente. E, pormenor importante quando se fala de movie sountacks, Greenwood consegue não ser maçador, ganhando ao apostar em canções curtas.

Mark Ronson - Version

2008-03-28T18:02:00.010Z

“Version” é, adivinharam, um disco de versões, algumas boas, melhores até que os próprios originais (“Valerie” dos The Zuttons, cresce na boca de Amy Winehouse), outras talvez um pouco forçadas demais (“Stop me” dos Smiths, é demasiado entediante, coisa que os Smiths nunca foram). Acaba por ficar como uma brincadeira curiosa de alguém que joga bem no pitch sonoro.

Vampire Weekend - Vampire weekend

2008-03-28T11:00:00.003Z

Pensem nuns Animal Colective menos tribais, deslizem-nos da Primavera para o Verão, encharquem-nos em sumo mesclado de frutos tropicais, juntem açúcar em doses industriais e cá estão eles, os novos sonhadores da pop e já uma das revelações do ano, Vampire Weekend. O debutante álbum da banda Nova-Iorquina é uma pincelada de percussões Africanas (“Mansard Roof”), guitarras indie (“A-Punk” ou a brilhante “Cape Cod Kwassa Kwassa”), e pop clássica (“M79”), que ilumina dias de chuva como só um arco-íris consegue. Mais importante que tudo: os Vampire Weekend não temem o absurdo, que é como quem diz, não temem a pop, e vão exactamente onde querem. Em cheio.

(*) - Texto publicado na Revista Blitz (Capa de Abril de 2008)

Atlas Sound - Let the blind lead those who can see but cannot feel

2008-03-28T10:41:00.006Z

Quanto mais ouço “Let the Blind...” menos percebo o que tem Bradford Cox – criador do projecto Atlas Sound – de tão especial que justifique todos os elogios recebidos recentemente. O disco é um mero exercício de investigação, que é bem mais exploratório do que experimental. Avançando pela electrónica de guitarras pós-rock, as ideias vão-nos passando pelos ouvidos, sussurrantes e tímidas, faixa atrás de faixa, e só tomam forma por duas ou três vezes em Cold as Ice, Scraping Past e Ativan – esta última, valha a verdade, muito boa. Cox faz um research sonoro vasto, o problema é que isso não basta – é preciso resultados, e este “Let the Blind...” escava muito mas encontra pouco.

(*) - Texto publicado na Revista Blitz (Capa de Abril de 2008)

Adele -19

2008-03-27T12:40:00.005Z

O single “Chasing Pavements”, muito sinceramente, não me mobilizou. Felizmente há “Daydreams”, “My same” ou “Melt my heart to stone”, a mostrar que nem tudo é enfadonho em “19”. A boa notícia é que Adele resiste à frequente tentação de ornamentar demasiado as canções com a sua voz, que é boa embora algo comum. Falta-lhe só pôr a vida nas palavras, como Amy Winehouse faz, para ser mais do que uma agradável cantora soul.

Goldfrapp - Seventh tree

2008-03-24T19:44:00.005Z

Em 2000 surpreenderam com “Felt mountain”, aquele disco invulgar que cheirava a uns Portishead campestres. Em 2003 surpreenderam com “Black Cherry”, álbum que contrariava o anterior por retirar os Goldfrapp do bucolismo e os colocar bem no meio da cidade. Em 2006 surpreenderam com “Supernature” por se apresentarem, sem qualquer pudor, como uma banda pop. “Seventh tree”, de 2008, não surpreende em nada mas desde quando é que os Goldfrapp têm de ser Houdini? Um regresso a “Felt mountain”, de certa forma aligeirado, mas cheio de boas canções.

Michael Jackson - Thriller

2008-03-24T11:15:00.007Z

Pouco mais há a dizer de “Thriller”. Já sabemos que vendeu como água no deserto, que tem tudo o que há de bom e evita tudo o que há de mau em Michael Jackson, que “Wanna be startin’ somethin’” ou “Billie Jean” são perfeitas, que ainda hoje se ouve como se de uma moderna produção Timbaland se tratasse. Há ainda uns extras no final que renovam as versões originais – apenas uma desculpa para revisitarmos um disco que, na sua estrutura original, é soberbo. Ouvindo “Thriller” percebemos por que razão, durante tanto tempo, Michael Jackson foi o rei da pop.

Matt Costa - Unfamiliar faces

2008-03-18T16:57:00.004Z

Tom Dumont, guitarrista dos No Doubt, foi o primeiro a pegar nele. Seguiu-se Jack Johnson que o protegeu dentro da sua própria editora. Com uma mistura de mérito e sorte, Matt Costa viu-se rapidamente a gravar dois EPs em pouco tempo, e logo depois o consequente disco que os compilava. “Songs we sing”, o tal álbum, era uma interessante colecção de canções que conseguia estar bem acima daquilo que o patrão Jack tinha feito em “In between dreams”, com referências a Stephen Malkmus, Beatles e Beach Boys. De costas quentes, gravou este “Unfamiliar faces” que agora nos chega. São poucos os momentos que nos agarram e, os que o fazem, são ideias de outros na cabeça de Matt Costa – “Cigarette eyes”, como melhor exemplo disso, é Blur descarado (lembram-se de “Coffee and TV”?). Eu e todos os que tiveram “Songs we sing” nas mãos esperávamos mais que isto.

The Mars Volta - The bedlam in Goliath

2008-03-16T12:49:00.005Z

“Já sabemos que tocas bem, homem.” – eis o que apetece dizer a Omar Rodriguez-Lopez, guitarrista virtuoso dos The Mars Volta (uma das partes dos antigos At the Drive-In). É pena, mas ao final de quatro álbuns já se percebeu que é isto que Omar e Zavala querem fazer: rock psicadélico, para lá do progressivo, de solos intermináveis e, na sua maior parte, muito pouco acessíveis. Se, por um momento da sua carreira, conseguissem ceder um pouco a padrões mais convencionais, talvez fizessem uma obra próxima daquela que foi “Relationship of Command”, o fabuloso último disco dos At the Drive-In. Assim como estão, limitam-se a ser tecnicamente muito bons, o que já não é mau, mas não podemos ficar indiferentes a este esbanjar de talento.

Jimmy Eat World - Chase this Light

2008-03-07T10:51:00.008Z

Recuando uma década, lembramo-nos que os Jimmy Eat World tinham origem punk. Hoje, ouvindo "Chase This Light", só à lupa e muito a martelo é que conseguimos descortinar algum traço desse tempo. Desde "Clarity" e, sobretudo, Bleed American (título que acabou por ser removido por atentar contra a moral americana pós 11 de Setembro) que a banda se atira descaradamente ao emo, e assim se tem mantido até agora. O novo disco volta a carregar na power-pop: “Big Casino”, “Feeling Lucky” e “Let it Happen” são dignas de um qualquer filme teen, passado num qualquer liceu americano, protagonizado por um qualquer par de apaixonados. Nada mau, mas ficamos com a sensação que Bleed American fazia o mesmo - em melhor. (*)

(*) - Texto publicado na Revista Blitz (Capa de Março de 2008)

Marah - Angels of destruction!

2008-03-04T18:15:00.011Z

Vêm de Filadélfia e, por muito que o eclectismo disfarce, são americanos até aos ossos. Andam nisto há mais de dez anos e até já tiveram direito à sua pequena obra-prima de nome “If you didn’t Laugh you’d Cry”. O novo disco, “Angels of Destruction!”, acrescenta dois novos temas à lápide Marah: “Blue but Cool” balada de piano colorido, quase country, salpicada com guitarra e vozes soul; e “Santos de Madera” que pede um pé de dança desgarrada. A consistência é imagem de marca dos Marah e Angels of Destruction! não compromete nada nesse sentido, mas falta-lhe um pouco mais de sarcasmo e um pouco menos de optimismo para chegar às obras maiores dos Hold Steady. (*)

(*) - Texto publicado na Revista Blitz (Capa de Março de 2008)

The Helio Sequence - Keep your eyes ahead

2008-03-04T16:56:00.004Z

Este é um disco de recuperação para o duo The Helio Sequence. Depois de Brandon Summers ter levado a sua voz para lá do seu próprio limite em “Love and distance”, excesso que o levou a um longo processo de reabilitação vocal, “Keep your eyes ahead” parece surgir como um disco de vontade. Rock electrónico, tradicional e em formato canção, de traço simples mas vincado, que funciona como um bom welcome back da banda.

K.D. Lang - Watershed

2008-03-03T18:39:00.005Z

K.D. Lang mostra, mais uma vez, como puxar a country para os anos de hoje, não através da actualização da produção musical, mas sim pelo classicismo requintado com que reveste as suas canções.
Nada que não tenha sido já conseguido, por ela e por outros, mas só o facto de Watershed ser outro bom exemplo de excelência revela o quanto a country não tem, necessariamente, de ser uma coisa de rednecks.

The Mountain Goats - Heretic pride

2008-03-03T18:08:00.003Z

John Darnielle é, de forma tão óbvia, o faz-tudo dos Mountain Goats que bem podiam mudar o nome da banda para um substantivo singular. Caseiro, como é costume, Darnielle dá-nos em “Heretic pride” treze mini-estórias normalmente cantadas à viola, da forma mais sincera possível.
São quase todas canções de amor, ou desespero, ou ambas: “Stand with my arms at my sides as you open up the door/ I’m out of my element/ I can’t breathe” – é apenas um exemplo em vários possíveis da poesia maior de Darnielle. E quem diz “every moment leads toward it’s own sad end” explica-se como muito poucos o fizeram dentro e fora da música.

Shelby Lynne - Just a little lovin'

2008-02-28T13:09:00.007Z

Shelby Lynne não inventa, e é isso que a afasta, felizmente, das bafientas divas burguesas. Canções como “You don’t have to say you love me” ou “I only want to be with you” seriam facilmente arruinadas na voz de uma Celine Dion, que adora exibir os seus dotes vocais em detrimento da música que a acompanha; Lynne, pelo contrário, dá às suas músicas apenas aquilo que é preciso, e deixa-as respirar, sem qualquer marca de exibicionismo.
É a tal diferença entre ter boa voz e cantar bem. A voz certamente que ajuda, mas gente dessa há demasiada neste mundo – como no fado, é a alma que conta, e Lynne tem mais alma que qualquer outra.

Lenny Kravitz - It is time for a love revolution

2008-02-26T18:28:00.004Z

Tenho andado a pensar em algo que seja tão mau para os ouvidos como o último de Lenny Kravitz e talvez uma otite, daquelas tramadas, lá chegue. O homem, além de nos presentear com aquelas baladuchas que já lhe devem sair da boca sem sequer ter de pegar numa guitarra (ouça-se o single “I’ll be waiting”), e aquele rock próprio de um velho que se orgulha de ainda ser rebelde (ouça-se a execrável “Love revolution”), não nos poupa na duração do disco, que é interminável.A sua audição é mais que recomendável se o objectivo for castigar alguém, caso contrário, não há justificação possível para esta perca de tempo.

Drive-by Truckers - Brighter than creation's dark

2008-02-25T18:46:00.005Z

E com “Brighter than creation’s dark” os Drive-by Truckers abriram as hostes. Não pensem que é leviandade minha, já o ouvi vezes suficientes para largar a frase bomba sem ter medo de, mais tarde, me arrepender: este é, definitivamente, um dos discos de 2008, independentemente do que aí venha. De um total de dezanove canções, qualquer uma, tirada ao acaso, nos leva para o que há de mais genuíno na canção americana.
Nada – repito, nada – está a mais, e tudo se conjuga em perfeição numa das maiores homenagens feitas à country, pela via rock. É certo que discos de duração exagerada dão, regra geral, em desperdício. Mas repito, regra geral. Porque “Brighter than creation’s dark” é uma hora e um quarto de vida numa rodela de plástico.

Jack Johnson - Sleep through the static

2008-02-20T12:47:00.006Z

Falar de um novo disco de Jack Johnson é um desafio à criatividade descritiva. É que desde “Brushfire Fairytales”, disco de estreia, podemos dizer exactamente a mesma coisa sobre cada um dos seus sucessores. Que dizer de novo, então, em relação a “Sleep through the Static”? Pouco, muito pouco. A sua grande (e única) vantagem é conseguir ser melhor que a monotonia absoluta que foi “In between dreams”, mas, de resto, mantém-se o tradicional duo guitarra/voz, em registo lento, que quando acelera a única coisa que faz é tocar ao de leve no reggae.
Claro que podemos sempre dizer que Jack Johnson está mais adulto, que mostra maior preocupação com a composição e que o piano dá mais sinais de si, mas isso era esconder o que importa: Jack Johnson está igual ao que sempre foi, e se alguns se podem dar a esse luxo, ele não pode – a sua pop acústica de praia ao pôr do sol é datada, e a sua validade já expirou há muito.

Sons and Daughters - This Gift

2008-02-20T12:26:00.007Z

Mais uns vindos de Glasgow, os Sons and Daughters estão cada vez mais próximos dos Franz Ferdinand e cada vez mais longe dos Belle & Sebastian. This Gift é um disco simples e directo, cantado maioritariamente em voz feminina, que segue caminho ao longo de doze canções de rock escorreito. Lá fora, com algum exagero, são já muitos os que o gabam. É de louvar a intenção dos Sons and Daughters fazerem um disco para pensar pouco e dançar muito, e é também de louvar o facto de o terem conseguido, o que não se justifica é porem-no nos píncaros do rock moderno.

The Magnetic Fields - Distortion

2008-02-07T20:47:00.000Z

Stephin Merritt, mentor dos Magnetic Fields (e dos Future Bible Heroes, e dos Gothic Archies, e dos The 6ths, e que também actua a solo), merece uma vénia sempre que se fala dele. Além de ter feito uma das grandes obras da música popular chamada "69 Love Songs", de ser o maior romântico vivo e de ser dono de uma poesia inatingível, tem ainda tempo para brincar (eufemismo para experimentar) como aqui acontece, no novo "Distortion". Imaginem as normais baladas goofy dos Magnetic Fields tapadas por um manto de distorção muito shoegazing e aí têm a nova aventura de Merritt. Para não variar, mais que recomendável.

Sia - Some people have real problems

2008-01-28T20:38:00.000Z

A Australiana Sia não é nova nestas lides. Já esteve com os Massive Attack e com os Zero 7 e anda, desde 2000, à procura de um espaço que seja seu. O novo disco, acabado sair, vem nesse sentido – tem uma soul aloirada misturada com um chillout próprio de fins de tarde. Está algures acima da pop saloia da Dido mas aos calcanhares de uns Everything but the Girl.

É como comer um tufo de algodão doce, à quarta ou quinta dentada já enjoa.

Nick Cave & Warren Ellis - Music from the Motion Picture The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford

2008-01-23T22:36:00.000Z

A reter: a) "The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford" é um dos filmes do ano, b) Casey Affleck tem dez vezes mais talento que o irmão Ben, c) a beleza das imagens do filme de Andrew Dominik faz-se acompanhar por uma não menos bela banda sonora de Nick Cave e Warren Ellis.

Fiquemo-nos pela alínea c), que é a que aqui interessa.

A banda sonora da dupla Cave/Ellis é tudo o que se pode pedir dela: pontua as imagens, posiciona-nos no filme e, apesar de tudo, funciona de forma independente. Composto na sua totalidade por instrumentais, as canções de Jesse James vivem de cordas e piano, melancólicos e quase trágicos, a embalar uma América solitária e ainda dorida da guerra civil. Ouçam The Money Train ou Song for Bob e vejam como a música pode, sozinha, dar um bom filme.

A força da vida londrina

2008-01-17T20:17:00.000Z

O título do álbum, Untrue, adapta-se perfeitamente ao seu conteúdo. Depois de o escutar do início ao fim é impossível escapar à sensação de espanto e não nos rendermos à sua imensa grandeza, de um modo tão automático e irreversível que custa a acreditar que seja verdade.

Com o seu segundo disco, Burial, que continua a preferir permanecer sob a incógnita do anonimato, assina um trabalho que funde o dub e o 2-step com o ambient, resultando numa irresistível amálgama sonora capaz de nos transportar para onde o seu criador deseja – e no caso em questão somos irremediavelmente levados para as ruas de Londres, habitat natural de Burial.

Aliás, muito como no caso dos álbuns de The Streets, principalmente os dois primeiros (Original Pirate Material e A Grand don’t come for Free), – embora aqui, ao contrário do grime que os The Streets tão fielmente representam, e no dubstep enquanto género no qual Burial se insere, a construção lírica seja de somenos importância, confinada a samples alheios posteriormente trabalhados para se enquadrarem nas ambiências sublimemente criadas.

Uma verdadeira pérola. Negra, como a disposição das suas composições, e talvez por isso mesmo ainda mais rara.

Black Mountain - In the Future

2008-01-13T16:53:00.000Z

O nome Black Mountain não vem ao acaso. As canções são montanhosas paredes negras de som eléctrico que se elevam bem acima de nós e nos deixam lá em baixo, minúsculos, a percorrer um qualquer trilho circundante.

In the Future é uma cordilheira de cumes (Stormy High, Angels, Bright Lights) e vales (Tyrants, Stay Free, Night Walks) psicadélicos, bem cravada em terreno que foi, outrora, dos Velvet Undergound. Só temos de nos deixar impressionar pela paisagem.

****

Trio de Azes

2007-12-15T16:03:00.000Z

As Sugababes sempre se desviaram do conceito de banda pré-fabricada – são uma girls band, sim, mas evitando tudo o que de pejorativo isso tem.
O novo disco, Change, regista no título a saída de Mutya Buena e consequente entrada de Berrabah para o trio multi-racial. E, apesar das mudanças, voltam a mostrar que conseguem desmontar os clichés da pop e torná-los qualquer coisa diferente, longe dos chavões de Britneys, Aguileras ou Simpsons. About you now é uma lição de como escrever um grande single, Never gonna dance again torna-se uma grande canção R&B com algo mais do que apenas um amor perdido e Surprise vence com um refrão que é pura sacarose.
Guilty pleasure ou não, estas meninas podem mais que as outras.

Aristocrata folk

2007-12-14T20:50:00.000Z

Josh Ritter tem vindo, ao longo da sua carreira, a gerar uma consensual aclamação da crítica internacional o que, para quem o conheça, não é de admirar. The Historical Conquests vem confirmar tudo o que já foi dito sobre ele – que, mais do que um bom singer-songwriter, é um excelente singer e um ainda maior songwriter. Mais uma vez, a folk é tratada como realeza, arredondada e sem pontas soltas, decorada com um bom gosto inegável. “Am I singing the right blues?” pergunta ele em Rumors. Respondemos nós: “Estás sim Josh, como ninguém”.
Post Scriptum: atenção à faixa quatro, The Temptation of Adam, candidata séria a melhor canção esquecida de 2007 e de elementar audição para românticos incuráveis.

Luzes em tempos natalícios

2007-12-13T16:15:00.000Z

Ainda Easy Tiger não perdeu o “gosto” a novo e já Ryan Adams volta à carga, como que teimando na confirmação da sua (re)conhecida hiper-produtividade criativa: escassos 4 meses medeiam entre o supracitado longa-duração e este Follow the Lights, EP no qual continua a fazer-se acompanhar – e bem – pelos The Cardinals.

Com sete músicas no total e ocupando pouco mais de 30 minutos, este EP pode dividir-se em duas partes distintas: as três primeiras sendo novas composições de Ryan Adams, e as quatro últimas constituindo versões, das quais uma de “Down in a Hole” dos Alice in Chains e as restantes de músicas do próprio cantor constantes em álbuns anteriores.

O início do EP não desilude, com duas das três novas canções a cumprirem de forma bastante satisfatória e a remanescente a atrair atenções. Sem dúvida alguma, “My Love for you is real” apresenta-nos um Ryan Adams à altura dos seus pergaminhos, tanto a nível lírico como musical, e com uma capacidade notável de gerir eficazmente as oscilações ao longo da música de modo a criar um excelente resultado final.

No entanto, e curiosamente, acaba por ser a segunda parte aquela que mais surpreende. Nenhuma das reinterpretações deixa os créditos dos respectivos originais por mãos alheias, mas o maior destaque acaba mesmo por ir para a versão de “This is it” com os The Cardinals – infinitamente mais conseguida do que aquela presente em Rock n Roll. “If I am a Stranger” marca presença numa interpretação interessante e bem mais calma do que em Cold Roses, e para o final fica guardada “Dear John”, desta vez sem a presença de Norah Jones como em Jacksonville City Nights mas não menos eficaz por isso.

Dúvida (interlúdio)

2007-12-11T19:13:00.000Z

Todos aqueles que vêm parar a este blog vindos de uma pesquisa no google sobre "pop neve" ou "pop natal" estão à procura exactamente do quê? Não consigo perceber...

A nova festa

2007-12-03T18:15:00.001Z

Fantastic Playroom, assim se chama o disco de estreia dos New Young Pony Club, que já vinham construindo considerável “hype” ainda antes do lançamento do álbum muito por culpa de viciantes singles como “Ice Cream”, “The Bomb” ou “Get Lucky”. Não, para variar estes não vêm da Suécia, vêm de Londres. E sim, desta vez (ao contrário da grande maioria das vezes no que toca a bandas britânicas), o “hype” até tem razão de existir.

Disco coerente e conciso, onde o electro impera e dançar é palavra de ordem, ainda que apresente aqui e ali alguns devaneios, sejam eles rítmicos – no caso de “Hiding on the Staircase” – ou mesmo melódicos – como a mais calma (uma vez que balada é palavra proibida num disco que se quer de festa) “Talking, talking”. Vale a pena mencionar também, para além dos três supracitados singles, “The Get Go”, que tem sido aposta regular na Radar recentemente.

Disco que cumpre, e bem, o seu propósito: música para ouvir descomprometidamente e contagiar o corpo à dança, um pouco à imagem daquilo que fazem as Cansei de Ser Sexy. Não vai ficar para a história, mas também não era isso que lhes pedíamos – e de certeza que também não era isso que eles estavam à procura.

O Josh é bom companheiro

2007-11-27T11:48:00.000Z

Ontem na Aula Magna tivemos direito a um Josh Rouse infelizmente doente, e em clara gestão de esforço. Foi o menos bom dos seus três concertos em Lisboa, ainda que o público tenha estado melhor que da vez anterior nesta mesma Aula Magna - de certeza que ajuda o facto de desta feita a sala ter estado a cerca de 85% da capacidade máxima.

Ainda assim o concerto teve os seus momentos (todas as de 1972, "Streetlights", "It Looks Like Love", "Feeling No Pain" ou "Caroliña", por exemplo). E, quanto mais não fosse, serviu também para pôr as mãos em Country Mouse Companion, EP de "takeouts" de algumas músicas presentes nos dois anteriores álbuns do cantor, bem como algumas raridades.

Aqui se confirma uma certa "recuperação" da boa forma da veia compositora de Josh Rouse, tanto nas novas músicas como nas diferentes versões de outras já editadas: apresentam-se, no geral, com arranjos mais minimalistas, menos trabalhados, e no entanto mais melódicos e que acabam por funcionar de forma bastante satisfatória.

Das primeiras audições ficou no ouvido principalmente a fantástica "Kuzbass", cujo ambiente mais melancólico e introspectivo proporcionado pelo violino a acompanhar a voz e guitarra acústica de Josh Rouse acaba por funcionar em pleno nesta altura mais fria do ano. A nova versão de "It Looks Like Love" e o instrumental "Snowfall" merecem também uma referência num EP que se distingue principalmente pelo seu equilíbrio como um todo, e que parece querer ilustrar (por oposição aos últimos trabalhos do cantor) o Inverno segundo Josh Rouse.

Ecos de Terras do Tio Sam

2007-11-22T16:16:00.000Z

Após quase três semanas divididas entre Chicago e NY (e 25 CDs depois), o regresso à Pátria Lusa.

A primeira coisa que merece referência é a diferença de preços entre os CDs aí comprados e os que são praticados em qualquer loja neste cantinho à beira-mar plantado: o máximo pago foi de 15 $, que actualmente corresponde a uns meros 10 €, e apenas porque se tratava de uma Virgin MegaStore e de álbuns muito recentes, tal como “Magic” do Boss ou “Chase This Light”, o último trabalho dos Jimmy Eat World.

A segunda menção vai para a Tower Records: lojas em NY “viste-as”. Aquelas que sabia onde ficavam fecharam, e ninguém soube dizer onde eram ou sequer se exisitam actualmente...

E finalmente, uma nota de profundo desagrado para a mudança de mãos dos cinemas no Alvaláxia, da Millenium para a Lusomundo. Mudaram os horários das sessões, mudou a lógica de filmes a exibir (lembro-me da exclusividade com que a Millenium soube trazer a Lisboa filmes como “Saraband” ou, mais recentemente, “A Casa Nostra”; “Domino” estreou numa semana e saiu na seguinte; “Control”, que tinha sido exaustivamente anunciado pela Millenium, não mereceu sequer aposta por parte da Lusomundo – aliás, este assunto era suficiente para um post per se, não é admissível que em Lisboa quem queira ver o filme tenha apenas duas salas à disposição)... A Lusomundo não teve tacto suficiente para perceber que o Alvaláxia não é mais um Colombo ou um Vasco da Gama e limitou-se a “adaptar” a fórmula que aplicou nesses dois centros às salas que adquiriu. Pois bem, perderam o meu King Kard. Não há proximidade de casa que compense este tipo de tiros nos pés.

Seguem-se algumas palavras sobre os CDs provenientes do outro lado do Atlântico que fizerem por o merecer, e à medida que houver tempo.

2007-11-17T12:14:00.000Z

Kanye West lançou-se acima da maralha hip hop americana, esse molho de profetas da ostentação, com um olhar crítico e com um mais que justificado desdém pela comunidade. Haviam duas grandes razões que legitimavam a altivez de Kanye: a primeira dava pelo nome de The College Dropout e a segunda por Late Registration. Quem os ouviu sabe, concerteza, que Kanye não era apenas mais um, era o melhor.

No passado mês de Setembro, Graduation chegou às lojas em competição directa com Curtis, de 50 Cent, que resolveu dizer que desistiria da sua carreira musical caso Kanye vendesse mais.
Jogada de marketing ou não, o que é facto é que a disputa resultou, e, no caso de Kanye West, Graduation tem-se mostrado como o seu disco de maior sucesso comercial. Há coisas boas neste Graduation: evita tiques instrumentais normalmente evitáveis nos discos de hip hop, desvia-se do mau hábito de estender a duração do álbum para limites pouco suportáveis, não tem medo do seu lado mais comercial. Funciona. Mas esperava-se mais qualquer coisa, provavelmente sentido de risco. Mesmo com grandes canções como Stronger, The Glory ou Homecoming, falta rasganço à graduação do rapper americano.

Como dantes

2007-11-15T23:12:00.000Z

Os Travis voltaram à estabilidade com um disco pouco surpreendente mas infinitamente melhor que 12 Memories, esse disco maldito onde a banda de Glasgow resolveu afirmar (mal) a sua veia política com canções de um esquerdismo risível – alguém se lembra de Beautiful Occupation?
Este The Boy with No Name mostra aquilo que eles sabem fazer e ponto final. Se querem mais é favor procurar noutro lado.

Hora do Bolo

2007-10-01T22:36:00.000+01:00

Se algum misantropo estiver, pelo maior dos acasos, a ouvir a Hora do Bolo na Radar este Sábado ficam a saber que é este vosso escriba que está a passar as músicas. Se forem como qualquer cidadão vulgar e aproveitarem o fim de semana para outras coisas (neste momento ocorrem-me umas trezentas e vinte e sete alternativas melhores que ouvir rádio), ficam a saber que perderam uma hora de música a meu gosto.

The Get Up Kids - II

2007-09-26T11:50:00.001+01:00

Depois da boa recepção que Something to Write Home About conseguiu ter, o passo seguinte dos The Get Up Kids foi o lançamento de Eudora, uma compilação de covers, b-sides e outras músicas suas que tinham tido edição em alguns primeiros e longínquos EP’s lançados em edição própria. Uma forma eficaz de capitalizar o tal “hype” entretanto criado, ainda que lançado como que a ganhar tempo para preparar o sucessor e a aplacar a expectativa criada em seu redor.

O terceiro álbum de originais surgiria pouco depois com a edição de On a Wire, álbum que apresenta uma banda mais adulta e mais concisa na forma de abordar a escrita e construcção musical, ainda que menos fulgurante. Aqui os The Get Up Kids dão o salto, ainda que este possa ter sido numa direcção que não agrade à maioria dos fãs. As guitarras eléctricas “melódico-explosivas” e o ritmo rapidamente oscilante entre o frenético e o contemplativo ficaram de lado, e na sua vez surgem guitarras mais calmas e propícias a baladas, com ritmos condizentes. Um álbum compacto, ainda que recebido com um certo sentimento de desilusão.

Em 2004 era editado aquele que viria a ser o último álbum de estúdio dos The Get Up Kids, Guilt Show e, este sim, demonstra claramente que a sua linha tinha chegado ao fim. As composições são pouco imaginativas, não existe nenhuma faixa que salte claramente aos ouvidos após uma (ou mesmo várias) audição(ões) e chega-se ao fim da duração da obra com uma sensação latente de descrédito em relação a uma banda que tanto tinha sido capaz de produzir, nomeadamente com o fabuloso Something to Write Home About.

Uma última referência para o álbum final da carreira destes rapazes. Um álbum ao vivo, Live! @ The Granada Theater, gravado durante a sua tour de despedida, regista toda a energia que estes punham nos seus concertos e que acaba por contrariar um pouco a acalmia sonora que a sucessão dos seus ábuns apresentam. Nota final também para o “discurso” de despedida que os The Get Up Kids dedicam aos seus fãs, que tem como título uma frase de uma das suas grandes músicas e que acaba por conseguir resumir em quatro palavras bastante daquilo que os orientou enquanto grupo: “Say goodnight, mean goodbye”.

Atenção a “Campfire Kansas” (On a Wire) e à fantástica versão de “Regret” dos New Order (Eudora).

Um tigre é sempre um tigre

2007-09-13T14:17:00.000+01:00

E eis que num ano de regressos, surge Ryan Adams. Regresso este que tem a particularidade de parecer que sucede a um longo silêncio quando, na verdade, apenas há pouco mais de ano e meio tivemos direito a três (!) álbuns de Ryan Adams, sendo um deles duplo...

Comecemos pela dualidade presente no título: Easy Tiger, como se algum tigre pudesse ser descrito enquanto “easy”, ou como se para acalmar um animal como o tigre bastassem estas palavras... E no entanto não deixa de ser uma excelente metáfora para a obra que Ryan Adams, qual tigre/génio irreverente e incontrolável, desenvolve ao longo das treze faixas aqui presentes.

Em Easy Tiger – que é um álbum bem mais fácil, ainda que isso não implique que seja melhor ou pior, do que o seu predecessor, 29 –, Ryan Adams agrupa e percorre as várias influências que o conjunto dos seus álbuns apresent(ar)am ao longo de uma já profícua carreira. Desde os tempos mais country dos extintos Whistkeytown (“Pearls On A String”) até aos mais calmos Love is Hell (“I Taught Myself How to Grow Old”), desde o primordial Heartbreaker (“These Girls”) ao recente Jacksonville City Nights (“Tears Of Gold”), e passando pelo ovni Rock’n’Roll (“Halloweenhead”), Ryan Adams tudo junta, tudo mescla – e, como dizia Lavoisier, no final nada se perde. Arrisco mesmo acrescentar: tratando-se do senhor que se trata, só se pode ganhar.

Para além deste novo lançamento, Ryan Adams anunciou que ainda este ano irá ser lançada uma box, contendo dois álbuns originais que nunca chegaram a ser editados (provavelmente devido à clarividência ofuscante dos senhores que comandam as editoras), para além de agrupar diversas raridades e b-sides que tiveram direito a edições exclusivas e limitadas. Ou seja: não parece haver motivo para temer uma quebra na produtividade deste enfant terrible do “alt country”. Ele está aqui para durar.

Blur refazem-se

2007-09-10T22:26:00.000+01:00

Os Blur recuperaram Graham Coxon, o guitarrista geek que os abandonou para se dedicar à sua carreira a solo, e contam com ele já para as gravações do próximo disco. Finalmente, digo eu. Não que não tenha gostado dos Blur sem o seu guitarrista de sempre, ou que veja Coxon a solo como um erro, nada disso. Quer Think Tank (último Blur), quer Love Travels at Illegal Speeds (último Coxon), são álbuns que se impõem na multidão de pé descalço que é o mercado musical britânico. Mas a verdade é que os Blur com Graham Coxon são outros: mais eléctricos, mais fervorosos, mais adolescentes. Bem vindos de volta.

The Get Up Kids - I

2007-09-06T17:46:00.001+01:00

Os The Get Up Kids foram uma banda com relativa importância nos E.U.A., principalmente na divulgação do género indie/emo pop na segunda metade da década de 90, mas que passou ao lado do mercado europeu – apenas me recordo de apanhar por uma vez o videoclip de “Action and Action”, single de apresentação do seu segundo álbum, no defunto canal Sol Música.

Four Minute Mile, o álbum de estreia dos The Get Up Kids é, como não podia deixar de ser, o álbum mais cru e duro da sua discografia, onde salta à vista a ausência dos teclados que viriam mais tarde a ajudar a demarcar claramente o lado mais pop da banda. No entanto, esta é uma estreia que expõe desde logo as bases em que a banda se viria a apoiar para definir a sua identidade musical: preocupação com a secção rítmica, nunca descurando o duo de guitarras eléctricas, e letras declarada e abertamente centradas nos relacionamentos pessoais e os seus problemas – poder-se-á inclusivamente dizer que distorcem o habitual boy meets girl para um boy loses girl.

Ao segundo longa-duração, o tal que supostamente define uma banda e a sua confirmação (ou não) como fenómeno a seguir, os The Get Up Kids conseguem o seu momento de inspiração suprema. Something To Write Home About é um álbum a que é difícil ficar indiferente, fazendo jus ao nome escolhido – por oposição à habitual expressão inglesa “nothing to write home about”, quando em referência a algo que não entusiasma.

Após o recrutamento de James Dewees (cuja outra banda, Reggie and the Full Effect, é um caso único de banda-paródia com músicas excepcionalmente boas) para acrescentar a secção de teclados à banda, este segundo álbum é aquele que consegue inscrever o grupo na história da música, tal foi a recepção que obteve e o culto que foi capaz de criar. A um som mais límpido e trabalhado em relação ao seu primeiro trabalho, surgiam agora os teclados que transformam ¾ das músicas do álbum em autênticos hinos pop. O hype estava definitivamente criado.

Merecem audição atenta nesta altura “Coming Clean” (Four Minute Mile), “Valentine” (Something to Write Home About), “Ten Minutes” (Something to Write Home About).

Mariza outra vez internacional

2007-09-04T21:59:00.000+01:00

Mariza, actualmente a fadista viva mais conhecida fora de fronteiras, está nomeada para um Grammy na categoria de Best Folk Album. O disco que lhe deu o bilhete para Las Vegas, onde será realizada a cerimónia, é Concerto em Lisboa.
Uma boa notícia para a música portuguesa muito embora continue a achar que Mariza, com aquela voz, podia ir bem mais longe do que vai. Em três discos de estúdio, nenhum passa da mediania – Pelo Dia Dentro, último registo fadista de Camané, põe qualquer um deles num bolso.

Motéis há muitos

2007-09-04T00:19:00.000+01:00

Pequeno aparte: começa esta quarta-feira, e estende-se até domingo, o 1º Festival Internacional de Cinema de Terror de Lisboa, o MOTELx. Durante estes dias, o festival toma por casa o São Jorge, cujas bilheteiras são o único ponto de venda dos bilhetes para todas as sessões. Para mais informações e consulta da lista de filmes e respectivos horários: MOTELx.

E um pequeno P.S: estreou na passada quinta-feira o filme Vacancy - Motel. Por estes lados a expectativa é elevada, já que ultimamente a tendência dos filmes de terror parecia ser a do gore, sangue e violência explícita, em vez do susto após boa dose de suspense em antecipação daquilo que se vai passar a seguir. A confirmar se a espera valeu a pena.

E pronto, esta foi uma "Horror Movie Intermission". A música segue dentro de momentos.

Fúria de Gales

2007-09-02T18:42:00.000+01:00

Em 1991 Gales deu ao mundo uma das bandas mais politizadas da história rock. Esteticamente glam e musicalmente entre o air rock e o punk visceral dos Sex Pistols, os Manic Street Preachers tinham tudo para ser polémicos. Richey James, apesar de não ser vocalista e de a sua perícia na guitarra ser muitas vezes troçada nos bastidores, sobressaía-se como ícone da banda – exímio letrista, instável e desequilibrado, ficou conhecido por se auto-flagelar numa entrevista quando questionavam quão autênticos eram realmente os MSP.
Em 1992 sai o debutante Generation Terrorists e músicas como You Love Us ou Motorcycle Emptyness começam a chegar às rádios. Por trás do inegável tacto em construir grandes canções rock escondem-se letras altamente subversivas. O álbum é um panfleto de retórica esquerdista e um autêntico regicídio na monarquia do Reino Unido – “repeat after me, fuck Queen and country/ repeat after me, death sentence heritage”. Faixa atrás de faixa disparavam contra o establishment, fosse ele o capitalismo, a apatia das massas, as marcas, a publicidade, a religião ou a coroa Britânica. A crítica gostou da ousadia e recebe-o bem. O hype estava criado pressionando os MSP a voltarem atrás na sua promessa de acabarem com a banda a seguir ao primeiro álbum ser lançado.
Seguiu-se Gold Against the Soul, seguimento previsível do primeiro disco, menos inspirado e mais acomodado que o antecessor, mesmo assim mostrando aqui e ali um novo lado dos MSP, mais sinfónico, que seria trabalhado em anos futuros. O que dava que falar, contudo, não era o novo álbum: as fissuras existentes na banda tornaram-se evidentes demais - Richey James estava cada vez mais reduzido ao que sobrava de si próprio, Nicky Wire fazia questão de soltar tiradas inconvenientes dia sim dia não e a banda tocou com apenas três elementos durante grande parte da sua tour (a falta de comparência vinha, claro, da parte de Richey James).
Em 1994 chegou Holy Bible, ainda hoje considerado por muitos como o melhor álbum gravado pelos MSP. Holy Bible carregava todo o desencanto que Generation Terrorists tinha mas extremou-o lírica e musicalmente. Goste-se ou não, foi o álbum bomba dos MSP, as guitarras estavam mais ríspidas que nunca e as letras totalitariamente radicalizadas. É, provavelmente, o disco mais furioso e desacreditado da década de 90. Richey explicou tudo o que sentia por lá: versos como “childhood pictures redeem, clean and so serene/ see myself without ruining lines”, “these sunless afternoons I can’t find myself” ou “he's a boy, you want a girl, so tear off his cock, tie his hair in bunches, fuck him, call him Rita if you want” anunciavam o que estava para vir. A promoção do álbum nos Estados Unidos estava próxima mas antes disso Richey James volta a ser notícia pela última vez. A 1 de Fevereiro de 1995 desaparece, tendo o carro sido encontrado junto a uma ponte perto de Bristol, famosa pelos suicídios que recebe. Pouco tempo depois Richey foi considerado morto, embora o seu corpo nunca tenha sido encontrado. A banda ficou devastada com a notícia e temeu-se o seu fim. Para a grande maioria dos fãs, e possivelmente também para os três restantes membros, os Manics deixariam de ter sentido sem Richey que era visto como a alma e o cérebro do grupo – mesmo tendo em conta a sua limitada capacidade musical, a verdade é que era ele que encabeçava toda a raiva política e social conhecida nos MSP. Sean Moore, o pouco mediático baterista da banda, definiu-o da melhor forma, intitulando-o como o seu ministro da propaganda.
Mas James Dean Bradfield, que de todos os elementos sempre foi o mais músico, assegurou a continuidade do, agora, trio. Poucos meses depois voltaram a reunir-se para compor novos temas. Agarraram em antigas letras de Richey James, juntaram novas de Nicky Wire e James Dean Bradfield encarregou-se de construir canções rock de tom épico. O resultado foi Everything Must Go (não é preciso mencionar a quem é que o título era dirigido), o álbum que pôs os Manic Street Preachers como estrelas internacionais. Além do aplauso da crítica e das vendas astronómicas que teve, Everything Must Go coleccionou prémios pelo mundo fora. Ainda assim, não se livraram de ser acusados de vendidos pelos fãs de primeira hora, ainda revoltados pela perda do seu elemento mais combativo.
E foi a partir deste momento, pós Richey James, que os MSP deram inicio a uma nova fase. É verdade que a veia política está lá e sempre estará, mas estes Manics, os de hoje, estão já muito longe da fúria Marxista de 90. De Everything Must Go (1996) até Send Away The Tigers (2007), os três Galeses envelheceram, amainaram, serenaram e começaram a dar mais importância ao detalhe melódico que à luta política pura e dura. This Is My Truth Tell Me Yours (1998) é paradigmático nesse aspecto: canções calmas, melodiosas e introspectivas, quase caseiras. Mesmo Know Your Enemy (2001), que dos últimos discos é visto como o mais activista, alinha a sua forte posição política com um discurso bem mais leve, ou pelo menos não tão chocante, que as primeiras obras da banda. Ainda houve tempo para prestar uma interessante homenagem aos 80’s dos New Order quando lançaram Lifeblood, em 2004. E agora temos este Send Away The Tigers, acabado de sair, e com um single fresquíssimo de nome Your Love Alone Is Not Enough a dizer-nos que eles estão para durar.

Que durem.

Sean Moore disse que de três em três discos os MSP fazem um álbum de ruptura. Foi assim com Holy Bible, foi assim com Know Your Enemy e, se as contas não me falham, será assim com o próximo.

Que durem até lá, pelo menos.

O Verão do campo à cidade

2007-08-31T14:25:00.000+01:00

Chegou como habitualmente na altura certa para o seu estilo de som – o Verão – o novo álbum do “vagabundo” norte-americano Josh Rouse.

Sucedendo a Subtítulo (de 2006, e a primeira produção depois de se ter fixado na vizinha Espanha), Country Mouse City House vem demonstrar que afinal de contas a sua carreira não está tão estagnada como se poderia temer após o álbum do ano passado, que trazia um não muito agradável sabor a Josh Rouse em piloto automático.

Aqui podemos voltar a escutar em bom plano a voz quente de Josh Rouse acompanhada em duas faixas pela da sua nova namorada Paz Suay, que parece ter uma influência crescente na vida do cantautor norte-americano: para além do projecto musical de ambos, She’s Spanish, I’m American (criado no início deste ano), co-escreve três das nove músicas do presente álbum.

Em Country Mouse City House Josh Rouse não regressa aos tempos áureos do incomparável 1972 (ainda que “Italian Dry Ice” não desfizesse caso constasse da sua obra-prima), mas assina um registo que consegue seguir o que de bom tinha conseguido por exemplo em Nashville.

Um álbum onde predominam ambiências leves – nem podia ser de outra maneira –, e no qual Josh Rouse consegue explanar a sua música desde o registo mais intimista de London Bridges ao mais jazzy de Hollywood Bass Player passando, como não podia deixar de ser, pelo seu lado mais pop, do qual Nice To Fit In é um fiel exemplo.

Apesar de ser tudo menos uma revolução ou uma obra marcante – e talvez por isso mesmo –, um saudável regresso.

Férias

2007-08-28T15:42:00.000+01:00

Depois de um interregno de posts de um mês, seguido de outro mês de férias, está na altura de voltar ao activo nos próximos dias, já que álbuns não faltam. Até lá.

Ressaca SBSR' 07

2007-07-06T14:57:00.000+01:00

Arcade Fire: se acham que os álbuns são bons...

Go see them live!

LOGH @ Santiago Alquimista, 11-Mai-07

2007-05-23T18:38:00.000+01:00

Uma vez que as últimas duas sextas-feiras foram noites de concerto, resolvi que esta seria uma boa altura para inaugurar a secção de "crónicas" de concertos aqui no Arte del Pop. E porque sobre a vinda dos Bloc Party ao Coliseu já muito se falou por essa blogosfera fora, centro-me no concerto da sexta-feira que a precedeu: os portugueses Katabatic precediam o cantautor Christian Kjellvander, e ambos abriam para o principal nome da noite, os suecos Logh.

É sempre uma boa notícia quando a editora nórdica Bad Taste Records se lembra de incluir Portugal como paragem nas digressões dos grupos com que conta nas suas fileiras, e desta vez voltaram a sair-nos em sorte os Logh, que já contavam com uma presença em Lisboa (e no mesmo palco) em 2003, e dos Last Days of April na Zé Dos Bois aquando da promoção do seu If You Lose It.

Por motivos que se escaparam ao meu controlo no próprio dia – e que com certeza se devem à genética latina do povo português... – acabei por chegar atrasado ao Santiago Alquimista, já os Katabatic estavam em palco. Do pouco que consegui ouvir na altura (apenas uma música completa e o final de outra) deu para me aperceber de um rock atmosférico prometedor e não muito visto em bandas nacionais, ainda que, e na definição de um amigo que se encontrava a vê-los desde o início, “estes malucos toquem sem vocalista”. Mesmo que pouco tenha visto deles, foi o suficiente para me convencer a comprar o CD-EP+DVD que estava à venda na entrada no intervalo entre concertos. Também só custava 4 euros...

Seguiu-se o sueco Christian Kjellvander, ilustre desconhecido para os meus lados. Acompanhado apenas da sua guitarra e de uma jovem desconhecida cantora que o acompanhava nos refrões e dava o ritmo possível – pouco, como pediam as composições de Kjellvander – com uma pandeireta, acabou por demonstrar a sua qualidade e a da sua música, embora tenha acabado por soar um pouco como um peixe fora de água, intermediando o rock dos Katabatic e a pop nórdica dos Logh. Como curiosidade (tanto o título como a história deste) apresentou um tema chamado... “Portugal”.

Chegado ao prato forte, o concerto não desiludiu: os Logh apresentaram-se em palco dispostos a dar um bom concerto e conseguiram-no. Compreensivelmente mais centrado no último álbum North, mas com passagens pelos momentos mais conseguidos de álbuns anteriores (e aqui particular destaque para as fabulosas “The Contractor and the Assassin” “Ghosts”), o espectáculo foi equilibrado e com a fluidez adequada àquilo que o seu trabalho mais recente pedia. A bateria oscilando entre a distante suavidade e a entusiasmante presença marcava o ritmo pelo qual se regiam as programações, o órgão e as inevitáveis guitarra e baixo eléctricos.

Um concerto que serviu fielmente o propósito de promoção do álbum North, de tal modo que acabei por trazê-lo da loja improvisada na entrada do Santiago Alquimista, ainda para mais num belo exemplar em vinil branco. Álbum este que espelha bem a evolução que os Logh tiveram desde o seu início enquanto banda e da sua sonoridade mais pesada e escura, apresentando agora uma pop de cariz calmo e introspectivo, ainda que com uma certa escuridão latente na generalidade dos seus temas – ou não fossem estes seis rapazes provenientes do frio da Suécia.

The “Thes”

2007-05-15T19:09:00.000+01:00

Não, não pensem que se trata de uma qualquer homenagem à banda que acolheu Johnny Marr depois do fim dos The Smiths. É apenas o reflexo de um curioso regresso à moda das bandas com nomes The Qualquer Coisa. Em repeat durante o horário de trabalho nos últimos dias, e quebrando um pouco aquilo que ambicionava para o Arte del Pop (uma vez que não possuo "música em formato físico" para nenhuma destas bandas, apenas mp3), recomenda-se:

The Teenagers (MySpace, e já com referência na "bíblia" da casa...)

The Cinematics (MySpace, e com referência aquando da terceira edição da Salada Mista Sem Tomate do não menos "profeta" Pedro Gonçalves...)

The Rifles (MySpace).

E para já é só.

I(n)di(e)oma

2007-04-27T17:50:00.000+01:00

Volto a afastar-me do propósito principal do que por aqui escrevemos. E, no entanto, nem tanto assim...

Explicando (título inclusive): passou durante esta semana, no festival de cinema independente IndieLisboa, a experiência cinematográfica dos Daft Punk, Electroma. Nele tomamos contacto com as duas formas robot dos Daft Punk, na sua viagem – ao mesmo tempo que trip – para se tornarem humanos.

Este filme acaba por ser uma prova de resistência para os espectadores: os robots mantêm-se naturalmente mudos durante todo o filme, a banda sonora que o acompanha não é da autoria dos Daft Punk nem contém aquilo que se esperaria de um filme deste duo, mas antes desde música clássica a Brian Eno, passando por Todd Rundgren e outros...

Muito se poderia analisar neste inclassificável objecto, desde as metáforas sobre a tentativa de humanização do que não o é até às atitudes dos dois “heróis-robot” após tudo o que passam, passando pelas reacções (no fundo tão humanas) que a comunidade robot tem perante o que lhe é diferente, e no entanto ficaria sempre muito por referir. Um filme híbrido, estranhamente cativante e merecedor de maior atenção e admiração. No fundo, um projecto à imagem dos seus mentores.

Confúcio e outras coisas mais

2007-04-23T18:56:00.000+01:00

Apenas uma pequena relíquia para ilustrar o post...

Depois da mudança de sexo do/a Blitz, seguida do desaparecimento do excelente UM e dos recentes issues com o próprio nome que o suplemento do Público Y / Ípsilon teve, o que é que ficava a faltar? Que acontecesse alguma coisa ao 6ª, do DN. Faltava mas deixou de faltar há 2 semanas atrás, com o fim do suplemento graças à nova direcção do jornal.

May you live in interesting times, diz-nos a tradução inglesa de um famoso provérbio chinês. Mas estes não são tempos assim no que diz respeito à análise, crítica ou simples escrita musical (pelo menos no formato “tradicional”). Especialmente se os compararmos com a ebulição que se fazia sentir (ou vamos, que pelo menos eu sentia) com, por exemplo, o Blitz dos 90’s.

A corrida para o ir buscar quando saía, ler sobre o que é que se escrevia naquela semana, ver a troca de “galhardetes” em que os leitores normalmente transformavam o espaço que lhes estava reservado, tornando-se assim parte integrante da força viva que era o jornal... Em suma, interesting times – mesmo descontando qualquer distorção nostálgica que possa advir de escrever sobre memórias juvenis. Nada que se possa dizer quando se olha para o panorama do jornalismo musical actual, se assim lhe podemos chamar.

Mas descansemos e não nos preocupemos: ficamos a saber, através de um comunicado da nova direcção do DN, imposta pelo grupo que o detém, que ao fim do 6ª não equivale o fim dos seus conteúdos, já que estes irão ser “distribuídos pelo jornal nos restantes dias”... Yeah, right.

No entanto, se há algo de verdadeiramente bom que esta era de massificação e globalização da informação nos trouxe é a oportunidade que temos, todos os que o desejarem, de ler o que nos têm a dizer Pedro Gonçalves ou Jorge Manuel Lopes, só para dar um exemplo do que está disponível por essa blogosfera fora. É preciso saber procurar, e onde procurar, mas as oportunidades estão lá, e qualquer um (tanto de um “lado” como do outro, se olharmos para isto com uma visão economicista de oferta e procura) pode ter a bonança de a encontrar. Como, por exemplo, aconteceu com este fellow blogger...

May you live in interesting times. Mas cada vez mais cabe-nos a nós mesmos fazer por isso.

Capas há muitas - III

2007-04-19T21:52:00.000+01:00

No último ano da década de 70's surgem dois álbuns cujo lançamento se deu inclusive no mesmo mês, e cujas capas conseguem retratar (cada uma à sua maneira) o esvaziamento e a desilusão do pós-punk e desses anos onde qualquer futuro parecia sombrio e desinteressante para a juventude de então. Ambos são álbuns de estreia de bandas que marcaram a história da música moderna, influenciando e desbravando caminhos que ora pareciam divergentes, ora paralelos e conseguem por vezes apresentar pontos de contacto.

Three Imaginary Boys, dos The Cure, apresenta-nos o início do génio pop, na altura com muitos laivos punk, de Robert Smith. Com uma sonoridade mais crua do que a que viriam a apresentar numa fase posterior da sua carreira (nomeadamente a partir de The Head On The Door), mas que surge como característica principal ao longo dos seus quatro primeiros álbuns, este primeiro longa-duração apresenta-nos uma capa onde o título aparece “traduzido” na imagem: os tais três rapazes imaginários (os membros da banda?) surgem como… um candeeiro, um frigorífico e um aspirador, sobressaindo de uma parede de fundo e um chão tristemente cor-de-rosa – parece uma contradição quando escrito, mas depois de vista a fotografia não o é tanto assim. A home life, e o porquê de ser tão desesperante para toda uma geração, sem necessitar de explicações.

Surgia em Machester, ao mesmo tempo, uma banda que teria uma importância no desenvolvimento da música moderna como a conhecemos inversamente proporcional ao seu tempo de vida. O primeiro álbum da Joy Division, Unknown Pleasures, é um álbum pesado, por vezes soturno e asfixiante, coroado pela sua bateria mecanizada, o baixo “melódico-depressivo” e a voz lúgubre de Ian Curtis. Uma obra assim dificilmente poderia ter uma capa que melhor se lhe adaptasse, e da autoria de alguém que não necessita de apresentações – o inigualável artista gráfico Peter Saville. Tanto a música da Joy Division como as capas dos seus trabalhos serviram de inspiração para muitos que se seguiram na febre pós-punk, quais figuras inspiradoras para a criação de outros. Hipnotizante.

Capas há muitas - II

2007-03-28T17:01:00.000+01:00

Indeciso sobre qual a ordem lógica a seguir pelo resto do texto que tinha imaginado, acabei por me decidir pelo critério temporal, escrevendo sobre os grupos / artistas e analisando o seu exemplo de capa escolhido por décadas. Começo, como não podia deixar de ser, pelas mais antigas, com exemplos repartidos entre a década de 60’s e a dos 70’s – e qual deles o melhor...

A primeira capa que me merece referência é a de Pet Sounds, dos Beach Boys. Álbum mítico e marcante da década de 60’s, é este trabalho que afirma definitivamente o grupo como um dos mais geniais do seu tempo – e de sempre. A fotografia da capa demonstra claramente um cuidado do grupo em adequar a capa ao álbum e respectivo título: nela aparecem os cinco Beach Boys em calma comunhão com um grupo de cabras que os rodeia, e que estes entretêm fazendo-lhes festas e dando-lhes comida. Haverá melhor declaração de intenções da “mentalidade Peace & Love” que os Beach Boys tão bem representam? Tudo sem uma única palavra.

Em 1971, cinco anos depois de Pet Sounds, aparece-nos mais uma iconográfica capa – num duplo sentido, já que para além da capa em si, o álbum que a apresenta em muito contribuiu para a afirmação de quem lá aparece enquanto ícone da música soul americana. What’s Going On, soberbo disco de Marvin Gaye, com uma simples fotografia do mesmo em plano central (e por isso mesmo em destaque), de perfil e fitando algo ao longe, algo que não vislumbramos e que por isso mesmo fica para a imaginação de cada um. Sobretudo de cabedal, com gigantescas golas levantas e uma atitude cool inerente ao próprio Marvin Gaye – ou a soul retratada numa foto.

Capas há muitas - I

2007-03-27T17:11:00.000+01:00

Mais uma vez me desvio do “âmbito” (se é que se pode dizer que existe um âmbito específico aqui no Arte Del Pop) para escrever um post, que será distribuído por capítulos devido a questões logísticas, um pouco em jeito de homenagem a um blog temático verdadeiramente fora-de-série que infelizmente apenas descobri já no fim do seu tempo de vida. O link (também) está ali ao lado – é o Capas de Culto, obviamente.

Do meu ponto de vista pessoal, a capa do disco desempenha um papel relevante na minha opção de comprar ou não um disco quando o tenho na mão – isto porque quando estou a comprar discos acabo invariavelmente por ficar com uma pilha deles, distribuídos entre a lista permanente dos que me faltam, raridades que encontro, até curiosidades que me aparecem à frente sem estar à espera.

Ora, numa época em que a música se descobre maioritariamente pela internet – ou seja, música em formato digital, ao contrário do que fazemos questão de abordar por aqui – a questão da capa e da arte que representa acaba por ficar relegada para um plano secundário, e esse é um aspecto que tenho dificuldade em aceitar, até porque não raras vezes acabei por descobrir excelentes bandas apenas porque a capa de algum dos seus discos me chamou a atenção nos escaparates de uma qualquer loja de música e me decidi a arriscar comprá-lo com o “conhecimento” exclusivo do gosto do grupo... na elaboração da capa.

Seguem-se alguns exemplos de bandas que primam pelo cuidado (e gosto) que apresentam na selecção da capa das suas obras, cada um com uma imagem de alguma delas. Para já fica apenas a que me inspirou a escrever estas linhas, e cujo álbum me merecerá um post “normal” num futuro próximo:

Arcade Fire: Neon Bible.

Guess who's back

2007-03-22T23:59:00.000Z

Damon Albarn faz questão de aparecer frequentemente a dizer que está vivo. Vem com os Blur quando lhe dá para o lado Inglês, com os Gorillaz quando se lembra do lado Americano e agora fez novos amigos para o acompanharem numa experiência quase conceptual - o que vale é que todos o perdoamos por gostarmos tanto dele.

Agora vai de convencer o baixista Paul “The Clash” Simonon, um tal de Tony Allen, baterista de escola jazz, e Simon Tong, ex-membro dos sobrevalorizados Verve. A soma destes homens dá pelo nome de The Good, the Bad and the Queen embora Damon Albarn insista que a banda não tem verdadeiramente um nome e que este é apenas o título do álbum. Ou seja, Damon tem tanto projecto na cabeça que nem tem tempo para lhes arranjar um nome próprio - o que vale é que todos o perdoamos por gostarmos tanto dele.

As canções começam e acabam em Londres, ela está em todo o disco, basta ouvir “a ship across the estuary, Sunday’s lost, in melancholy / a storm of strings far away” para percebermos que a pintam de preto e branco, nebulosa como sempre e como epicentro do apocalipse (quem duvide que atente à capa e a versos como “Friday night in the kingdom of doom, ravens fly across the moon” ou mais explicitamente “the medicine man is here twenty four seven, you can get it fast in the Armageddon” – e não, não estamos a falar da mesma música). A luz lá vai entrando a conta-gotas à medida que nos aproximamos do fim até que na última faixa, precisamente The Good, the Bad and the Queen podemos escutar a bonança: “the sun came out of the clouds and charged up the satellites, we all got our energy back and started walking again”. O disco é bom, não tão bom como o melhor que Albarn já fez - mas o que vale é que todos o perdoamos por gostarmos tanto dele.

A grande verdade

2007-03-16T20:42:00.000Z

Os álbuns de Armando Teixeira, como Balla ou Bulllet, começam sempre bem: ruídos expectantes, batida forte, sintetizadores cortantes, e sem dar-mos por isso estamos a ondular o pescoço e a batucar com o pé. A Grande Mentira, o novo de Balla, não é excepção. Saltei de Mim e O Fim da Luta são quase perfeitas. Mas, a partir daí, o disco acomoda-se (embora a acomodação de Armando Teixeira nunca desça abaixo de um certo nível) e perde quando comparado, por exemplo, ao primeiro registo homónimo.

Aos dois minutos de disco ele lá avisa: “vou abusar do teu corpo” – por vezes consegue-o (nas supracitadas e, mais lá para a frente, em Olá John Di Fool), mas a dita frase aplicar-se-ia melhor se a encaixássemos noutro álbum seu.

A importância da (boa) rádio

2007-03-12T11:26:00.000Z

Menção agora para um dos melhores álbuns que comprei o ano passado apesar das dificuldades que tive em descobri-lo neste rectângulo à beira-mar plantado, tendo inclusivé sido necessária uma ida a Madrid para o conseguir encontrar...

Os The Radio Dept. são (como não podia deixar de ser, apesar de isto começar a ser um bocadinho repetitivo) provenientes da Suécia. Tema e tempo para uma pequena reflexão: não sabendo ao certo o que se anda a passar por terras escandinavas, alguma coisa terá de ser, uma vez que os grupos de qualidade continuam a surgir que nem cogumelos por aquelas bandas.

Pet Grief é o seu segundo longa-duração, e apresenta-nos um som onde o sintetizador predomina tanto ao nível melódico como rítmico, isto apesar do grupo apresentar guitarras e baixo (não muito) eléctricos a par de uma (calma) bateria. As referências mais próximas acabam por ser os Pet Shop Boys ou os My Bloody Valentine, embora me pareça que os Last Days Of April da última fase também não desfaçam numa afinidade a uma temática e a um ambiente claramente próximos do shoegazing.

O álbum abre de uma forma que nos amarra a atenção por completo e nos deixa sedentos pelo que se segue, e que dificilmente poderia ser melhor: "It's Personal", ou os Sigur Rós em versão electrónica sem que com isso percam uma tranquila embora comovedora acutilância, seguida da faixa que dá nome ao álbum, ou a melhor canção dos anos 80 escrita em pleno século XXI - dançante, desprendida embora com a sua quota parte sombria, plena. Seguem-se depois disso mais dez faixas, entre as quais duas pequenas divagações instrumentais, e nas quais podemos encontrar pérolas como "I Wanted You To Feel The Same" (onde mais uma vez nos lembramos de Sigur Rós), ou as finais "Tell" e "Always a Relief". Até as que não destaco pela música em si, sem que isso signifique que desmereçam ou que as descarte de alguma maneira, justificam o destaque pelo título - caso, por exemplo, de "The Worst Taste In Music".

Os seus (curtos) 37 minutos terminam sem que evitem deixar-nos um leve sabor a pouco, mas no bom sentido: uma vontade que o álbum não terminasse ali, que continuasse e nos desse mais momentos de rara beleza como os que até ali contém.

Right on

2007-03-03T17:41:00.000Z

Este vai ser o post mais curto da história do Arte Del Pop, de tão fácil que é falar sobre este álbum. Está tudo brilhantemente resumido numa música presente neste Yours Truly, Angry Mob, o novo dos Kaiser Chiefs: "Everything is average nowadays". Na mouche.

O fim-de-semana é o melhor da semana

2007-02-28T16:19:00.000Z

Ponto prévio: não se espere que A Weekend in the City seja um segundo Silent Alarm, nem que tenha a força, urgência ou excelência do álbum de estreia dos Bloc Party. As estreias são por definição irrepetíveis, e nestas coisas as expectativas costumam ser más conselheiras.

O ano agora é 2007 e os Bloc Party procuram caracterizar ao longo do álbum o ambiente que se vive actualmente em Londres, com a forte presença de imigrantes convivendo lado a lado com uma certa tendência isolacionista tipicamente britânica, a par das grandes mudanças que testemunharam no curto espaço de 2 anos em consequência dos atentados de 7 de Julho de 2005, ou ainda criticando a cultura de desprendimento cool que a geração mais jovem parece seguir sem pensar nas consequências ou no futuro. A propósito desta descrição vem-me à cabeça um magnífico post de um blog que não lhe fica atrás e cuja leitura aconselho vivamente.

Não é por acaso que A Weekend in the City começa com "Song for Clay (Disappear Here)", uma clara referência ao romance "Less Than Zero" de Bret Easton Ellis, no qual se relata o regresso de Clay à sua cidade-natal de L.A., os devaneios e aventuras em que aí participa numa espiral descendente de decadência, sexo e drogas até que decide, já no final do livro, partir (ficando no ar a hipótese dessa partida ser definitiva) desiludido com a cidade e com as pessoas que a habitam, sejam seus amigos ou não. Os Bloc Party procuram aqui traçar o paralelismo dessa L.A. suja e amoral para a Londres na qual habitam e da qual conhecem o lado mais escuro.

Os dois (tumultuosos) anos que separaram os seus álbuns foram aproveitados para o crescimento, amadurecimento e experimentação de novas orquestrações para o seu estilo, sendo isso mesmo notório neste A Weekend in the City. Ouvem-se violinos, batidas mais electrónicas e sintéticas (para além da visceral bateria), coros, sintetizadores. Nota-se essencialmente uma maior rede de complexidade à volta da construção de cada faixa, faltando depois, no entanto, a capacidade de capitalizar totalmente essa maior preocupação com a arquitectura sonora. E, não significando este facto a passagem do álbum para a categoria de álbum menor, não deixa de ser pena.

Esclareçamos: há aqui excelentes músicas e que contêm tudo o que os Bloc Party são capazes de fazer melhor: a já referida faixa inaugural, "Hunting for Witches" que não desfaria se fizesse parte do anterior Silent Alarm, a crítica à subcultura feita religião de "Uniform", ou as mais 'fáceis' "I Still Remember" e "Sunday". Estas músicas são no entanto alternadas com momentos menos conseguidos, como "Where is Home?" ou "SRXT", o que quebra a unidade do álbum e provoca a sensação de que com um maior cuidado na escolha do alinhamento do álbum poderia estar aqui um fora-de-série.

Ainda assim, este álbum não desmerece os Bloc Party e não deixa de ser um dos bons álbuns deste ano até ao momento.

Uma questão de letras

2007-02-22T16:35:00.000Z

O Público mudou de imagem recentemente, o que permitiu ao mercado de leitores de jornais passar a ter a possibilidade de escolha entre dois Diários de Notícias e zero Públicos. A mudança visa aumentar a quota de mercado, claro, mas sobre ofertas versus interesses do público em geral já João Lopes se debruçou num excelente post, ainda que partindo de dados sobre outros meios de comunicação.

Não era, no entanto, sobre o jornal Público no geral que eu queria falar, até porque este é um espaço no qual os seus editores – e visitantes – procuram visar sobretudo a música. O objecto de estudo deste post prende-se antes apenas com o “novo” suplemento do “novo” Público: o velho Y acabou e deu lugar ao “novo”... Ípsilon.

Se esta “mudança” de título fosse a única, ou ainda que fosse acompanhada por uma alteração no grafismo (mesmo que para pior – como efectivamente foi), “no pasaria nada”. No entanto, o novo formato do Ípsilon espelha de forma altamente eficaz a maneira como o problema abordado no post de João Lopes tem sido tratado por quem “oferece” ‘Arte e Cultura’: desrespeitando quem a “procura” e não tendo pejo em aglutinar tudo o que o seja num imenso amontoado de resumos, enquanto oposto de análise crítica.

Temos então o suplemento Y, que procurava, aquando da sua génese, abordar a música, o cinema e o teatro de uma forma crítica mas fundamentada e cuidada, transmorfado num “novo” Ípsilon que agrega o antigo Y, o não menos importante antigo suplemento literário Mil Folhas (entretanto extinto) e aos quais ainda acrescenta uns restos de Arquitectura e Design. Basicamente, a ‘Arte e Cultura’ é tratada como um bolo ao qual não é reconhecido uma importância relevante na sua generalidade, quanto mais a cada uma das suas “fatias” individuais, e para o qual a atenção a dispensar se pode agrupar num suplemento único oferecido à sexta-feira.

No caso específico da música, e olhando exclusivamente para a página que nos traz as reviews dos álbuns da semana em questão, temos agora um agrupamento de todos eles numa página única com cinco ou seis colunas (uma arrumação a fazer lembrar o melhor da crítica musical da Maxmen ou da FHM), tendo sido também abandonado o sistema dos números de 0 a 10 para abraçar o sistema das estrelas – e essa aberração que são as meias-estrelas.

Já não bastava “a nova” Blitz, junte-se este “novo” Ípsilon ao fim do UM... O que é que sobra? Talvez apenas a crua constatação de João Lopes acerca dos números da Marktest sobre o interesse do público na ‘Arte e Cultura’: “não se pode procurar – nem encontrar – o que não está lá.”.

Whatever happened to the 80's?

2007-02-04T15:41:00.000Z

Confesso que foi um pouco o hype criado por estes senhores que me levou a ficar curioso e a ganhar vontade de descobrir este álbum. Afinal não é todos os dias que uma banda decide responder a uma canção-pergunta com mais de 20 anos...

Após várias audições deste Rattlesnakes ainda tenho dificuldades em encontrar adjectivos que consigam descrever fidedigna e adequadamente o álbum. Não acredito na perfeição, ainda para mais em algo tão díspar e abrangente como a pop, mas é a palavra que mais me vem à cabeça à medida que o disco vai girando, mais ainda se nos lembrarmos que se trata de um álbum de estreia – gosto particularmente de álbuns de estreia, onde normalmente não existem restrições à criatividade nem expectativas a cumprir em relação à sonoridade. É esse desprendimento que confere muitas vezes ao início de muitas bandas / projectos de qualidade uma aura especial que depois tarda em repetir-se.

A excelência pop (“Perfect Skin”, “Rattlesnakes”) encontra-se aqui num estado quase puro, sendo intercalada aqui e ali com alguma folk (“Four Flights Up”, “Down On Mission Street”) e até com ligeiras influências de jazz do bom (“Speedboat”), tudo isto magistralmente misturado e interpretado por uns The Commotions que apresentavam no seu frontman Lloyd Cole uma voz hipnotizante, cativante, um poeta-espírito-livre mordaz, com sentido de crítica / humor verdadeiramente “witty” e altamente cult(ivad)o – referências a Arthur Lee (dos lendários Love), Truman Capote ou Grace Kelly nas suas letras – , capaz de usar tudo isto para criar aquela aura (que ainda hoje apresenta) de génio que, precisamente por o ser, está condenado a não compreender e a não se integrar no mundo onde vive, acabando por ser igualmente incompreendido por este.

Um álbum seminal da pop produzida em 80’s com apenas um apontamento a fazer, não a Lloyd Cole ou aos The Commotions, mas antes à editora: haveria melhor maneira de terminar o álbum do que com a extasiante “Are You Ready To Be Heartbroken?” ? Para quê adulterar o álbum original enquanto obra adicionando-lhe 4 faixas extra? Não está aqui em causa o valor do “lixo” de Lloyd Cole (faria a obra-prima de muitos...) que são estas 4 músicas, mas convenhamos que por alguma razão os autores optaram por deixar o álbum com 10 faixas na sua versão original. Ignorar isso é desvirtuá-lo.

Os três da vida airada

2007-01-23T16:35:00.000Z

Musicalmente falando, dificilmente haverá hoje em dia país mais entusiasmante do que a Suécia. Os valores seguros aí existentes englobam nomes como The Knife, Shout Out Louds, Logh, The Sounds, The Concretes, Last Days Of April, Love Is All, The Radio Dept. (se tudo correr bem, alvo de uma referência futura por aqui), aos quais se juntam estes Peter Bjorn and John, trio composto por... John, Bjorn e Peter.

Writer’s Block, assim é o nome deste bom terceiro longa-duração (depois de um primeiro álbum homónimo e de um segundo, Falling Out, que desconheço) que consegue fazer transparecer ao longo dos seus 45 minutos uma consistência que tem tanto de notável como de incomum. A pop aqui criada é construída de forma quase antagónica à simplicidade com a qual costuma atingir o seu expoente máximo: para além dos tradicionais bateria, baixo e guitarra, nota-se a presença de piano, harmónica, bongos, órgão e sintetizador, até samples (vade retro!) de "shh’s", "whoo’s" e sons variados do dia a dia, acabando toda esta mescla por funcionar de forma superior.

Ligações a bandas conterrâneas são inevitáveis – tal como “Up Against the Wall” faz lembrar as fases mais recentes dos Last Days Of April, também “Let’s Call It Off” não desfaria se incluído no álbum de Shout Out Louds. No entanto, existem ao longo do álbum traços muito próprios que fazem por estabelecer desde logo uma identidade própria aos Peter Bjorn and John, e que são particularmente notórios nos dois momentos de excelência aqui presentes: em “Young Folks”, excelente single de avanço com o seu ritmo jingante, proveniente em partes iguais do assobio de Bjorn e de toda a parte de percussão, para além do “diálogo” entre Peter e a frágil perseverança da voz de Victoria Bergsman (antiga vocalista dos The Concretes); e em “The Chills”, onde o “shh shh shh” serve de ponto de partida para uma bateria tudo menos óbvia (mas que não impele menos ao leve abanar do corpo por isso) e à sua perfeita conjugação com uma potente linha de baixo e uma cativante melodia sintetizada.

Mais uma banda que conseguiu a minha atenção e que vale a pena seguir, depois de um disco que tem tanto de seguro como de prometedor, coisa rara nos dias que correm – ao que parece, excepto na Suécia.

Natal de Michigan

2007-01-18T19:26:00.000Z

Continuo sem perceber onde é que Sufjan Stevens vai buscar tempo para tanta coisa. Assim que, há uns anos, li que este workaholic tinha como objectivo lançar um álbum por cada Estado americano soltei um sorriso desdenhoso: a ideia parecia-me entusiasmante, mas impraticável – além de tirar todo o tempo de vida ao rapaz. Ora, Sufjan depois de editar Greetings from Michigan (2003) – o seu primeiro Estado a ser visitado – já lançou Seven Swans, Illinoise (o segundo Estado), The Avalanche e agora uma caixa de cinco (!) cd’s desta vez abordando o tema do Natal. Isto enquanto procede a exaustivas pesquisas da história e alma de cada região americana.
Verdadeiramente impressionante em tudo isto é que Sufjan ainda não deu um passo em falso.
Este Songs for Christmas, embora não traga nenhuma novidade maior na carreira do compositor, continua a ser um conjunto de discos belíssimos, ideal para esta altura do ano, e embrulhado como se de um presente de natal se tratasse: com letras, acordes, autocolantes, poster e textos escritos pelo próprio. Inclui versões dos grandes clássicos natalícios e mais uns inéditos a juntar à já extensa obra do americano, tudo isto devidamente separado anualmente. A boa música nunca vem fora de tempo e neste caso, recorrendo ao cliché, Natal é todos os dias.

¡Avante camarada, avante!

2007-01-08T00:25:00.000Z

Depois de ouvir bem este Give Me A Wall, o cancelamento (no próprio dia, e sem direito a explicações ou razões para tal) do concerto dos ¡Forward Russia! no Santiago Alquimista no passado mês de Setembro torna-se ainda mais lamentável...

O álbum de estreia deste quarteto britânico que alberga uma rapariga - eterno fétiche pessoal (allo allo Sonic Youth, Pixies, The Smashing Pumpkins, ...) - apresenta construções elaboradas ao colar diferentes ritmos e riffs de forma algo abrupta mas conseguida (allo allo dinâmica start-stop), que contribuem sobremaneira para um resultado final poderoso, tanto ao nível individual de cada faixa "per se" como ao nível aglutinador do álbum enquanto um todo.

A sonoridade do álbum em geral é bastante próxima da apresentada pelos genialmente criativos e igualmente extravagantes At The Drive-In na fase final da sua vida (culminada com um extraordinário último álbum, Relationship Of Command) - vide em particular "Seventeen" ou a faixa de abertura "Thirteen", onde se destacam os agudos atingidos pela voz de Tom Woodhead e a melodia conseguida pelo baixo num plano oposto ao da "conversa" de guitarras que se lhe sobrepõe - , embora alguns loops electrónicos pisquem aqui e ali o olho aos Muse, como em "Nineteen", e se note em "Eighteen" uma semelhança (que pouco ou nada terá de inocente) com os Bloc Party, nomeadamente ao nível da construção entre as guitarras, o ritmo irrequieto proveniente da bateria feminina e alguns elementos melódicos electrónicos, acompanhados por uma urgência (própria - e única - da juventude) presente na voz à la Kele Okereke.

Como resultado final fica um álbum equilibrado, com os décibéis puxados para cima mas usados com sabedoria q.b. , da estreia de uma banda a seguir (até para confirmar se a qualidade presenciada provém de meras colagens oportunas ou lhes é intrínseca), que tem ainda como particularidade o facto de todas as faixas terem como nome nada mais nada menos que... números.

And now for something (a little bit) different...

2007-01-03T21:31:00.000Z

Para primeiro post do novo ano, um post ligeiramente diferente: análises mais curtas e abordando dois álbuns no mesmo post, álbuns esses que dificilmente entram de caras nalgum dos muitos sub-géneros da pop, mas que ainda assim fazem o suficiente por merecer o seu espaço aqui (e nas prateleiras do meu quarto).

Os Deftones dão, neste Saturday Night Wrist, o passo que se deveria ter seguido à obra-prima White Pony, depois da indefinição de rumo apresentada no álbum homónimo que se lhe seguiu e do (sofrível) álbum pelo meio de Team Sleep, o projecto paralelo do vocalista do grupo. Voltamos a ter boas construcções electrónicas a acompanhar as (pesadas) guitarras, num resultado final equilibrado e pontuado pela inconfundível voz de Chino Moreno. Quem for fã da habitual sonoridade dos Deftones não vai dispensar "Beware" ou "Kimdracula", enquanto quem tiver por hábito desconfiar destes norte-americanos vai ser surpreendido pela electrónica pura da colaboração com Annie Hardy em "Pink Cellphone" ou pelo excelente instrumental Nintendiano "U, U, D, D, L, R, L, R, A, B, Select, Start" - quem não percebeu incorre no crime de nunca ter tido um Game Boy ou uma NES...

Em Pratica(mente), Sam The Kid atinge a simbiose quasi-perfeita entre o seu génio criativo de beats e samples, já apresentada no ímpar Beats Vol. 1 - Amor, e a sua parte de rapper declamador de poesia por excelência ("enquanto a maioria faz versos", segundo o próprio), dotado de um flow aperfeiçoado e único, facilmente identificador da sua presença na música. A este equilíbrio entre sons e voz, Samuel Mira junta ainda uma capacidade de crítica que tem tanto de mordaz como certeira (ouça-se o single de avanço do álbum "Poetas de Karaoke"), convidados e colaborações de qualidade a rodos, incluindo registos de spoken word do seu pai na figura do (igualmente poeta) pseudónimo Viriato Ventura, e uma faceta de contador de histórias tanto verdadeiras, como em "Slides (Referências)", como ficcionais, caso do excelente "16/12/95". Conforme se ouve Rui Veloso brincar num sample no final de "Juventude (é mentalidade)", este disco apresenta-nos "Sam The Man: He's not the Kid, he's the Man!".

Colheita 2006

2006-12-22T16:20:00.000Z

The Pipettes – We are the Pipettes

São tão pop que bem podiam mudar o nome para The Popettes. Levem-no para um carocha descapotável numa noite de verão e tentem disfarçar o sorriso.

The Arctic Monkeys – Whatever people say I am, that’s what I’m not

A critica Inglesa gosta muito de gritar ao mundo o brilhantismo das suas bandas rock. Raras vezes tem razão. A excepção à regra este ano chegou de quatro putos de Sheffield (um deles, entretanto, já abandonou a banda). Rock rápido e eficaz, sem tempo para descansar. Ah, e tem I bet you look good on the dancefloor, que, só por si, vale mais que o último álbum inteiro dos Oasis.

Gaiteiros de Lisboa – Sátiro

Perfeita junção de tradicionalismo e experimentação, conjugada com uma criatividade única no uso da língua portuguesa.

Anja Garbarek – Briefly shaking

Injustamente esquecida, Garbarek saltou do minimalismo para a quase exuberância pop. Excelente álbum a recompensar o tempo de espera que houve desde Smiling and Waving (2001).

Tom Waits – Brawlers, bawlers and bastards

É certo que não funciona como um álbum de estúdio actual mas, como sempre, a intemporalidade das músicas de Waits conquistam-nos de imediato. Neste caso, Waits até nos presenteia com três discos distintos: os blues de Brawlers, as baladas de bar de alterne em Bawlers e o experimentalismo pós-Swordfishtrombones de Bastards.

18 boas razões

2006-12-21T11:10:00.000Z

... para NÃO comprar Best Of's (ou compilações no geral):

1 - As canções que constam da compilação já foram todas editadas antes. Ou todas excepto uma...
2 - Num Best Of, as canções são melhores do que o quê?
3 - São melhores segundo quem?
4 - Normalmente estão fora da ordem cronológica, perdendo-se assim a óptica evolutiva da banda.
5 - Normalmente só estão incluídos singles. Quer dizer que estes são sempre as melhores músicas dos álbuns donde são retirados? Ou só as mais comerciais?
6 - Se são só singles, qual a necessidade de terem (ainda) mais exposição e tempo de antena?
7 - Se são só singles, já são todas conhecidas. Não será a tendência natural "Esta já conheço, next", "Next", "Next"... "O quê, já acabou?"?
8 - Normalmente as canções mais giras nunca estão em nenhuma compilação.
9 - Supostamente são para os fãs "die-hard". Não é suposto esses fãs terem todos os álbuns da banda?
10 - Raras são as bandas / artistas que têm só um Best Of, o que nos pode fazer divagar sobre a dicotomia (re)visão histórica versus lucro.
10 - Se é o melhor que a banda fez, qual a motivação que fica para descobrir o resto da obra, sabendo de antemão que (supostamente) não há melhor que aquilo?
11 - Custam sempre mais que 20 euros. (Praticamente) Nenhum álbum de originais custa tanto.
12 - Normalmente o artwork presente no booklet ou na capa é nulo. Tal como a presença das letras.
13 - É habitualmente um sinal de decadência. Raros são os casos de Best Of's no auge de uma banda.
14 - Não são álbuns, na medida em que não têm uma visão artística.
15 - O pior álbum de originais de uma banda consegue ser melhor que o seu Best Of.
16 - Saem no Natal. É sempre de desconfiar de alguma coisa que saia regra geral no Natal.
17 - Nada contra os U2 (óbvia inspiração para este post). Mas há mesmo necessidade de / razões para compilações de 4 em 4 anos?
18 - Como diria John Cleese em Life Of Brian, "What's the point?!"?

Não foi preciso esperar até à idade adulta

2006-12-12T18:55:00.000Z

O buzz à volta do segundo álbum dos Junior Boys já vinha sendo grande desde há algum tempo antes do seu lançamento. Os elogios abundavam por onde quer que se fosse procurar, e após várias e extensas audições de So This Is Goodbye pode-se concluir que não eram nem são desmesurados.

Não conhecia (tal como continuo sem conhecer) o trabalho prévio deste duo canadiano, Last Exit, logo este foi um álbum a escutar e avaliar sem pré-concepções ou expectativas pré-definidas que pudessem vir a ser defraudadas após a audição dos seus quase 50 minutos de duração espalhados ao longo de 10 faixas.

Num registo electrónico pautado pelo equilíbrio das batidas, que alternam entre uma mera e tímida presença ao longo de toda uma música e uma importância mais visível na construção da própria melodia (onde se tornam inclusivamente em algo mais próximo do "batimento cardiaco" da música, na medida em que é delas que esta depende para funcionar), e uma calma conjugação de uma larga e variada panóplia de sons, nem todos eles de origem electrónica, tudo isto pontuado com a fragilidade segura (uma vez que é apenas aparente) das vozes de Jeremy Greenspan e Matt Didemus, os Junior Boys conseguem uma das grandes supresas deste ano, premiada com momentos sublimes como "Count Souvenirs", "In the Morning" ou "FM".

Um álbum que merece uma maior atenção e exposição do que aquela que lhe foi reservada até agora, e que tem o mérito de conseguir fazer muito com pouco e apresentar uma complexidade considerável nas construções musicais a partir de uma simplicidade de métodos.

Assim vale a pena gritar

2006-11-13T13:00:00.000Z

(Mais) Uma banda de elevada qualidade proveniente da Suécia, embora estes Shout Out Louds consigam ter já uma visibilidade considerável nos meandros mais atentos da pop alternativa...

A faixa de abertura "The Comeback", sendo um bom single de apresentação para o álbum, é enganadora no seu ambiente: mais sombrio, ainda que não deixe a luminosidade totalmente de lado, e com guitarras mais proeminentes do que se escuta no resto deste Howl Howl Gaff Gaff.

Os Shout Out Louds denotam uma particular heterogeneidade de sons, especialmente incomum em álbuns de estreia (ainda que esta edição internacional do álbum seja, segundo os próprios, "A collection of songs from all our Scandinavian releases. Everything from plastic to vinyl."): desde a mais pesada e supracitada "The Comeback", passando por faixas como "A Track and a Train" ou "Go Sadness", mais próximas do estilo Ascend to the Stars dos seus conterrâneos Last Days Of April, até à construcção pop a fazer lembrar o melhor de Badly Drawn Boy de "Please Please Please" ou à corrida desenfreada de "Hurry Up Let's Go", tudo acaba por colar bem no conjunto e fazer sentido no final.

(Mais) Um bom álbum (e logo de estreia) num ano de 2006* que se tem revelado profícuo em termos de boa música para os ouvidos deste blog.

*Nota: a edição escandinava do disco data de Outubro de 2003 (!), tendo tido direito a edição internacional europeia em Setembro de 2005. Incompreensível como só agora está presente nos escaparates nacionais...

E com três menininhas apenas se escreve a palavra POP

2006-11-08T19:49:00.000Z

A palavra pop é hoje usada para os mais amplos conceitos. São dezenas as fronteiras que rompe e os territórios que abraça dentro da música actual (e não só): rock-pop, indie-pop, pop electrónico, pop sinfónico, teen-pop, punk-pop… e podíamos continuar por mais umas linhas de texto. É, contudo, muito raro encontrar algo que, sem grandes explicações e apenas com música, nos leve à essência da palavra, a Pop de P maiúsculo. E é aqui que entram as Pipettes. Três meninas Inglesas resolveram mostrar-nos o que ela é. Disse mostrar porque é disso mesmo que se trata, uma exposição, a Pop não se explica, ela existe e só pede que alguém a alcance. E como, então, o fizeram? Fizeram-no voltando uns anos atrás, aos vestidos polka-dot, aos óculos angulares e penteados dos 60s. Fizeram-no regressando, portanto, à sua origem, ao seu despertar. Fizeram-no com 15 canções de puro hedonismo. Fizeram-no com letras superficiais, claro está, como qualquer boa Pop que se preze: “dance with me baby boy tonight, dance with me and we’ll be alright” ou “We are the Pipettes and we've got no regrets, if you haven't noticed yet we're the prettiest girls you've ever met”. Fizeram-no lançando a canção Pop do ano, Pull Shapes, sem mais discussão possível. Fizeram-no da forma que se ouve, sem perfeições, nem ambições, nem intenções.

O verdadeiro significado está no álbum “We are the Pipettes”, e não há dicionário, crítico, ou historiador musical que nos consiga fazer ver a Pop como aqui.

Os bons velhos tempos de hoje em dia

2006-11-03T19:16:00.000Z

Não há volta a dar-lhe. Os Camera Obscura são uma das sensações pop do momento, em boa parte graças à genial resposta a uma (excelente) canção-pergunta de Lloyd Cole and The Commotions ("Are You Ready to be Heartbroken?"): não podia ser mais lógico que "Lloyd, I'm Ready to be Heartbroken", genialidade pop de 60 adaptada, ainda que apenas levemente, aos dias de hoje.

"Come Back Margaret" traz-nos uma suplicante Tracyanne Campbell a um ritmo que só apetece abanar-nos, assim mesmo, suavemente de um lado para o outro. "Dory Previn" faz-nos pensar duas vezes a cada inspiração / expiração, não vá a nossa respiração estragar o sublime momento que é essa canção. O tema-título "Let's Get Out Of This Country" oferece-nos a perfeição musical que só a pop nos pode oferecer, enquanto a referida Campbell (que não Isobel...) nos presenteia com pérolas como "Let's get out of this country / I'll admit I'm bored with me / (...) We'll pick up berries and recline / Let's hit the road old friend of mine" - não vos apetece ir imediatamente?

"If Looks Could Kill" não desfazia se tivesse sido composta por Brian Wilson quando andava bem acompanhado, tal como "I Need All the Friends I Can Get", outro momento maior do terceiro de originais destes escoceses com o seu coro infantil a acompanhar o refrão.

Não há como negar. Grande parte do melhor novo-velho pop deste ano está aqui.

I just met a girl named Maria...

2006-10-26T11:45:00.000+01:00

Não é costume nem fazia parte do que imaginava vir a escrever por aqui (contava limitar-me a álbuns), mas fui ontem ver Marie Antoinette, o novo filme de Sofia Coppola, e senti a "necessidade" de deixar por escrito a minha visão sobre o filme.

O trailer aguçava o apetite tanto em termos visuais como em termos auditivos (a tal coisa do sound + vision), apesar de já há algum tempo me ter deixado de entusiasmar com trailers, por via de diversas desilusões que alguns filmes me causavam após as expectativas criadas na sua promoção.

Em Marie Antoinette, Sofia Coppola opta mais uma vez por deixar a história desenrolar-se por si, caracterizando as personagens mais como espectadores e peões desta do que jogadores capazes de a definir e dirigir. Aqui, o jovem casal constituído por Marie Antoinette e Louis Auguste parece nunca conseguir controlar a sua vida ou ter uma palavra sobre a história que (sabemos nós) lhes está reservada, sendo a sua vivência sucessivamente sujeita às vontades das famílias reais, às formalidades a que os seus lugares na sociedade obrigam, à manutenção de aparências a que Versalhes estava habituada.

Nota-se igualmente uma preocupação de Sofia Coppola com a excelência da fotografia que, não sendo novidade, atinge um nível superior ao de outros filmes - influência talvez da permissão para filmar Versalhes ao invés de um qualquer cenário a fazer de Versalhes. De destacar também a sua conjugação quasi-perfeita com uma (excelente) banda sonora que fornece uma ligação entre esse tempo e os nossos dias e concede ao filme uma aura de visão diferente, numa obra que se quer (ainda que apenas levemente) biográfica, mesmo que não revisionista. E Kirsten Dunst, bem... Kirsten Dunst é Kirsten Dunst. Basta mencionar a cena do leque, que se arrisca a ficar no imaginário do Cinema - assim mesmo, com letra grande - durante muitos e bons anos.

Não é uma obra-prima, mas é um filme muitíssimo bem-vindo numa época de pouca preocupação estética, visual e sobretudo sonora na maior das "grandes estreias" em salas portuguesas.

Um segredo bem escondido - III

2006-10-17T12:03:00.000+01:00

Continuando um processo de progressiva acalmia do seu estilo, os Last Days Of April entram depois de Angel Youth numa fase bastante colada ao shoegazing, abandonando de vez a forma como as guitarras eram encaradas no seu "emo-estado-inicial".

Ascend to the Stars é, até à data, o álbum perfeito dos Last Days Of April. Aproveitando o que de melhor tinham feito no álbum anterior, conseguem ao quarto álbum (descontando dois EPs pelo meio, o segundo omitido nesta compilação por mero lapso - de seu nome The Wedding, e edição entre o segundo e o terceiro álbum) a sua obra-prima, construída à volta de uma maior fragilidade da voz de Karl Larsson e de arranjos mais calmos e melodiosos.

Aqui encontramos a perfeita conjugação entre juventude e maturidade, esperança e infelicidade, sol e frio - afinal dicotomias presentes até no nome da banda, basta imaginar o que representam os últimos dias de Abril para um sueco...

No entanto, a banda provou com o álbum seguinte estar num beco sem saída em termos de criatividade. De facto, If You Lose It limita-se a repetir a fórmula apresentada em Ascend to the Stars, e, como qualquer repetição e tentativa de imitação, fica aquém do seu original, isto apesar de ter os seus momentos (ou não tivessem já os Last Days Of April provado serem músicos competentes e bons escritores de canções).

A ouvir com atenção faixas como "All Will Break" (Ascend to the Stars), "Angel Youth" (Ascend to the Stars), "Playerin" (Ascend to the Stars), "Piano" (Ascend to the Stars), "It's On Everything" (If You Lose It).

O lado positivo da cientologia

2006-10-10T14:55:00.000+01:00

Não há aqui nenhum erro, não se deixem enganar pelos pequenos gatos à frente das suas caras na capa do álbum With Love and Squalor. Estes três rapazes são rock, e bom rock...

37 minutos de puro desgaste de energia, desde a primeira (à la Pulp Fiction, "Nobody Moves, Nobody Gets Hurt", outra excelente aposta Radar) até à última música.

Pelo meio dança-se bastante, sua-se muito e salta-se ainda mais, há um refrão de uma música ("Inaction") ao estilo parada-e-resposta que só mesmo ouvindo, e passa-se por músicas imperdíveis: a revoltada "Cash Cow", a excelente (e talvez premonitória) "It's a Hit", o single de apresentação costumeiro-MTV2 ("The Great Escape"), e a sentida mas não menos forte "Lousy Reputation".

We Are Scientists, como que a defender a honra da ciência (numa altura em que Tom Cruise anda perdido devido a outra palavra derivada da mesma raíz). E nós só temos que aplaudir e pedir-lhes que continuem, em nome do progresso (quem sabe científico, mas não só).

Bonnie levou o “letting go” à letra

2006-10-06T20:27:00.000+01:00

Bonnie ‘Prince’ Billy está a cair. Os tempos das obras primas já lá vão (“Ease down the road” e “I see a darkness”), os dos discos bons também (“Superwolf” e “Master and everyone”) e parece ter chegado a altura dos álbuns porreirinhos. Pois, não dá para acreditar mas o génio da folk americana fez um pãozinho sem sal. Não há uma música em “The letting go” que mereça entrada nas mais belas do compositor. Não há um momento que nos suspenda a respiração por segundos. Não há, resumindo, nada daquilo que havia antes.
Há, isso sim, um conjunto de canções, umas assim-assim, outras satisfatórias, que servem simplesmente para nos dizerem que Bonnie ainda está vivo. Mas isso já nós sabíamos pelo álbum ao vivo que lançou - se era apenas para nos dizer que ainda compunha mais valia esperar mais um bocadinho.

Vá Bonnie, estás perdoado. Vai lá para casa e leva o tempo que quiseres a fazer o próximo. Eu espero o que for preciso, não me brindes é com porreirices destas outra vez.

O álbum que perde pontos por envelhecer

2006-10-04T20:52:00.000+01:00

É curioso ver que a Blitz integrou o álbum sem título dos Sigur Ros - ou, se preferirem, o álbum dos parêntesis ( ) - na lista dos piores de sempre. Digo curioso porque na data de saída do disco, a classificação que lhe deram no então jornal Blitz foi de 8 em 10.

Modas...

Entrar a matar

2006-10-03T13:39:00.000+01:00

Este era um álbum que já desesperava que chegasse às minhas mãos. Já há bastante tempo que ouvia - e gostava do que ouvia - temas como "Back Again", "Ivy Parker", o (excelente) single de avanço "Civil Sin", e o inevitável "Suzie", aposta constante da Radar - e que aposta...

A expectativa era alta, e o álbum não desiludiu. Aliás, pulverizou as expectativas. Poucas vezes um álbum de estreia pareceu tão confiante e certo de si, raríssimas vezes com a qualidade deste Civilian, e menos ainda justificando o estatuto de "brit-sensation-culto" que os britânicos tanto gostam de emprestar a tudo o que seja insular e novo.

Este é um daqueles álbuns em que pareceria sempre criminoso deixar alguma faixa sem referência. Civilian abre com a potente "Back Again", segue com a nervosa "On And On" antes de chegar ao duplo momento do álbum, com a fabulosa "karate-pop-punch" (segundo os próprios) "Suzie" a preceder "Six Minutes", para mim a revelação das músicas que não conhecia do álbum, com um verso / linha de sintetizador do mais instantâneo que há. De seguida vem a segura "On My Own", a supracitada "Ivy Parker" (como que a acalmar a energia acumulada até aí), até chegarmos ao abanão que é "Civil Sin" com o seu ritmo "out of control". "Killer" aproveita a força do single para construir um refrão mais que potente (quer a nível musical como semântico - "Killer kill us all"...), enquanto "Friday-Friday" parece ser o esgotar da força das guitarras dos Boy Kill Boy, num registo vocal bastante próximo ao dos seus compatriotas Futureheads. "Showdown" mantém um ritmo forte mas dançável, sendo o registo sonoro das guitarras + sintetizador um pouco mais "popesco" e apelativo ao abanar das ancas, tentando abrandar o ritmo do álbum para o final calmamente perfeito de "Shoot Me Down". Registo igualmente para uma fabulosamente tranquila música escondida, a reforçar a "capacidade eclética" do som dos Boy Kill Boy.

Um álbum a todos os níveis fantástico. Um dos mais fortes candidatos a álbum maior de 2006. E tudo isto em apenas 45 minutos e 17 segundos.

Desaparecido em combate

2006-10-01T22:23:00.000+01:00

Uma pausa para falar de um disco de que gosto muito e do qual pouco ou nada sei. É de uns tais Anywhen, Suecos, que andam calados desde 2001. Pontos nos is: este The Opiates é uma obra-prima – aquela que Nick Cave tem procurado e que quase conseguiu com No More Shall We Part.
Melhor início não poderá haver com o tom épico de The Siren Songs a dar o mote para o que aí vem. Grande orquestração a suportar uma voz grogue, grave e sonâmbula. Excelente primeiro refrão, grandioso segundo refrão. A segunda canção, Dinah and the Beautiful Blue, embala-nos numa beleza rara. O disco mantém um nível altíssimo até às três últimas faixas, onde entra num outro (e superior) patamar. Toy é um gozo absoluto, mas um gozo contido, clássico e melancólico. Betty Caine suspende-nos em qualquer sítio só nosso. Por fim, All that numbs you é a despedida merecida de um álbum sem mácula.

Já esperei tempo demais por um eventual novo álbum. Voltem depressa que a boa música agradece.

Sem medo da escuridão

2006-09-28T11:11:00.000+01:00

O selo Secretly Canadian era um garante de qualidade. O single de avanço entretanto ouvido (obrigado...), "According To Plan", rapidamente se tornou numa presença repetidamente obrigatória ao chegar a casa - é a minha música do momento, simplesmente fabulosa a toda a linha.

Mas nem só da excelente atmosfera e cativante linha de baixo do single vive este Fear Is On Our Side, primeiro longa-duração dos texanos I Love You But I've Chosen Darkness - prémio para o melhor nome de banda alguma vez desencantado.

Influências notórias, tanto a nível musical como estético / visual, são as de bandas como a Joy Division ou os Interpol, entre outros. Fantástica também a não menos obscura (apesar do título) "Lights", a sequência "Today" / "We Choose Faces" (se os Sigur Rós de repente se virassem mais para a pop e para as guitarras), e a igualmente arrebatante "Last Ride Together".

Entusiasmante álbum de estreia da banda com nome mais entusiasmante dos últimos tempos.